265 angela Snaeffelsjökuls rawling
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264 261002 Audioscoring BarDem Kommentar

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Glamouröses Filmfestival Zürich. Dafoe sei eingeladen worden und also auch Carson. Das hingegen erstaunt mich. Womit konnte man sie überreden? Komparatistik, der Schwenk, der Cut, Arbeiten mit der Totalen? Warum sollte ich das wissen wollen. Carson ist gekommen und basta. Als auf meine Anfrage ein Kommentar von ihr im Chat auftaucht, habe ich mir ein Glas Wein eingeschenkt. Sie blickt kurz auf. Mit Schummeln ist bei ihr kein Durchkommen. Entweder du trinkst Wein oder du tauchst diesen fusseligen, alten Teebeutel ins heisse Wasser. Für ein Gespräch mit Carson nach Mitternacht ist der Tee recht bitter.
Ich möchte ihr erklären, was es Audioscoring auf sich hat. Sie sitzt unbequem auf dem Küchenstuhl. Yes, my dear, let’s hear. Das wird nicht lange dauern, fürchte ich. Mit Audioscoring formiere sich eine Art Zeugenschaft im Zuhören. Wie bitte?, so Carson. Mit diesem Tonfall muss ich erst fertig werden. Ich müsse mehr über das Konzept des Audioscorings herausfinden und über seine performative Umsetzung, auch musikalisch. Wie klug, wie schlau sind die Vorgaben? Oder nützen sich diese ab und verblassen zum Konzept? Was ist von den Stimmen auf dem Band zu hören? Ist das offenkundig misslingende Unisono eine gelungene Sache? Flinkes Hinterher oder flappsiges Immer-zu-spät. Was jetzt? Wunderbare Vergeblichkeit. Während die Aufnahme läuft, angespannt den Stimmeinsatz antizipieren. Und verpassen. Wie lange dauert die Atemzäsur? Synchronizität wird so nie gelingen – ein strukturelles Problem. Zwangsläufig scheitern. Aber der Versuch, dieses grossartige Trotzdem, geht das nicht zu Herzen? Dieser Wunsch das Timing zu verinnerlichen, sozusagen mit absoluten Zeitempfinden zu operieren, mit dem siebten Sinn. Woher diese Zuversicht? Naiv. Carson lässt sich nichts anmerken.
Sommerferien, Wandern, Schneeberge, Balkongeländer mit ausgefrästen Herzen, Aufsatzhefte im Schatten der Herzen. Es sind nicht meine Aufsatzhefte. Ich gehe noch nicht zur Schule, schreiben habe ich noch nicht gelernt. Das Heft liegt aufgeschlagen auf einem kleinen Tisch. Ich soll die Schnürchenschrift, die blaue Tinte nachziehen mit einem roten Bleistift. Doppellinien, auch die Satzzeichen. 32 Seiten, mit dem Löschpapier sind es 33. Dazu die Korrekturen und die Noten zum Schluss der Seiten. Sind sie rot, dann zeichne ich rot in rot. Stolz schreiben zu können. Es genügt, es fehlt nichts. Es schreibt.
Meist vergebliches Bemühen die Stimmen der Aufnahme in Echtzeit nachzumachen, aber Spass machts, sich eine andere Stimme einzuverleiben, als wäre es je möglich eine andere als die eigene Stimme zu haben. Was halten sie davon Frau Carson? Die stimmphysiologischen Verschiedenheiten treten offensichtlich hervor, Männerstimmen, Frauenstimmen, aber nicht immer: das Erstaunlich der perfekten Überlagerung, je mehr sie gelingt desto unhörbarer. Wenn Stimmen ineinander verschwinden.
Redoing, Reperformance, Verkörperung, ein durchschaubares Spiel mit der An- und Abwesenheit der Stimmen oder mehr? Carson sollte auch wissen, dass Audioscoring BarDem für das Festival BarDem manifest BarDem konzipiert wurde, auch im Wissen, dass Vincent und Jacques zuhören werden. Als Überraschung, für das Fest von BarDem, ein konkretes «manifeste» wie sich BarDem gewünscht haben. BarDem beim Wort nehmen. Carson rückt die Brille zurecht. Es fühlt sich in der Performance aber wie eine Grenzüberschreitung an. Kein gutes Zeichen. Worüber sinniert Carson? Ernsthaft, über Stimmenimitationen? Ich ergänze noch, es könne heikel sein, ein Tabu, Stimmen als Varianten ihrer selbst zu denken. Als etwas das gekapert werden kann, nicht nur von KI. Originale müssen mit Folgen rechnen, so das Ensemble Tzara, also auch die Stimmen, also auch die Stimmen von BarDem. Sie vergegenwärtigen sich in anderen Stimmen, verlieren ihren Status als einzigartige Stimmen. Sie werden zu Modellen. Das Erratische einer einzigartigen Stimme tauscht den Platz mit der einzigartigen Imitation.
      BarDem pflegen eine ikonische Performancehaltung: in den ausgestreckten Händen die Partitur, Performance ohne eine Miene zu verziehen. Im Video ist zu sehen – soll ich es Carson zeigen? – wie unruhig und impulsiv und herausgefordert das Auswendiggelernte abzurufen ich bin, überfordert synchron zum Band zu agieren.
     Audioscoring wird für jede Aufführung neu kalibriert. Audioscoring ist nicht gleich Audioscoring. Anne nickt, bis hierhin scheint sie gefolgt zu sein.

 


Glamorous Zurich film festival. Dafoe was invited, and so was Carson. That, however, surprises me. What could they have persuaded her with? Comparatistics, the pan, the cut, working with the wide shot? Why should I want to know? Carson came, and that’s that. When a comment from her appears in the chat in response to my question, I pour myself a glass of wine. She looks up briefly. There is no getting away with cheating with her. Either you drink wine or you dip that old, fuzzy tea bag into the hot water. For a conversation with Carson after midnight, the tea is rather bitter.
I want to explain to her what Audioscoring is about. She is sitting uncomfortably on the kitchen chair. Yes, my dear, let’s hear. This won’t take long, I fear. With Audioscoring, a kind of witnessing takes shape in listening. What? Carson asks. I first have to get past this tone. I have to find out more about the concept of Audioscoring and its performative realization, musically as well. How clever, how smart are the instructions? Or do they wear out and fade into a concept? What can be heard of the voices on the tape? Is the obviously failing unison a successful thing? Quick pursuit or flippant always-too-late. What now? Wonderful futility. While the recording is playing, tense, anticipating the voice entry. And missing it. How long does the breath caesura last? Synchrony will never succeed this way – a structural problem. Bound to fail. But the attempt, this magnificent nevertheless – isn’t there something moving about it? This desire to internalize the timing, so to speak, to operate with an absolute sense of time, with a sixth sense. Where does this confidence come from? Naïve. Carson doesn’t let it  show.
Summer holidays, hiking, snow-covered mountains, a balcony railing with hearts cut out of the wood, exercise books in the shadow of the hearts. They are not my exercise books. I have not started school yet, I have not learned to write. The notebook lies open on a small table. I am supposed to trace the cursive handwriting, following the blue ink with a red pencil. Double lines, including the punctuation marks. Thirty-two pages; with the blotting paper, thirty-three. Then the corrections and the grades at the end of the pages. If they are red, I draw in red over red. Proud to be able to write. It is enough, nothing is missing. It writes.
Mostly a futile effort to imitate the voices from the recording in real time, but it’s fun to take another voice into oneself, as if it were ever possible to have a voice other than one’s own. What do you make of that, Ms Carson? The physiological differences between the voices become obvious – men’s voices, women’s voices – but not always: the astonishing thing about the perfect overlap, the more successful it is, the less audible it becomes. When voices disappear into one another.
Redoing, reperformance, embodiment, a transparent game with the presence and absence of voices, or more? Carson should also know that Audioscoring BarDem was conceived for the festival BarDem manifest BarDem, also knowing that Vincent and Jacques would be listening. As a surprise, for the celebration of BarDem, a concrete “manifeste,” as BarDemhad wished. Taking BarDem at their word. Carson adjusts her glasses. In the performance, though, it feels like crossing a boundary. Not a good sign. What is Carson musing on? Seriously, voice imitations?
I add that it might be delicate, a taboo, to think of voices as variants of themselves. As something that can be hijacked, not only by AI. Originals have to reckon with consequences, as Ensemble Tzara puts it – and so do the voices, so do the voices of BarDem. They become present in other voices, lose their status as unique voices. They become models. The erratic quality of a unique voice exchanges places with the uniqueness of its imitation.
BarDem cultivate an iconic performance stance: the score held in their outstretched hands, the performance proceeding without a flicker of expression. In the video, one can see – should I show it to Carson? – how restless and impulsive and challenged I am by having to retrieve what I have memorized, overwhelmed by the attempt to act in synchrony with the tape.
Audioscoring is recalibrated for every performance. Audioscoring is not the same as Audioscoring. Anne nods. So far, she seems to have followed.

 

263 261002 Listening_Tim Ingold

Tim Ingold: «Sound Walks», in: Biserna, Elena (ed.): Going Out – Walking, Listening, Soundmaking, Brussel, umland edition, 2023, S. 248–253.

Tim Ingold: «Sound Walks» (2023:248–253).
Ingold asks: does a falling tree make a sound if no one is around to listen to? Is there either physical happening, a “mechanical vibration emitted from an energetic source» or a psychic agency, a mind, a listening organ (2023:248)? Ingold wants « to set these binaries aside ». Ingold suggest to go for a walk in a forest in a howling gale, he compares the walk to being on sea in a storm. “You are swept away in a mêlée” – “This milieu we call an atmosphere” (S.249), “atmosphere is neither cosmic nor affective but the fusion of the two” (Tim Ingold:  The life of Lines, Abingdon, Routledge, 2015, p.75.) “…sound is the atmospheric event […] the circumstance of your being there […] The sound itself is an index of your complicity” (2023:249)

mêlée
Jean-Luc Nancy: La Mêlée (2000).
Mêlée beschreibt ein grundlegendes „Miteinander-Verwickeltsein“ von Körpern, Stimmen, Sinn, Politik und Welt. Der Begriff bezeichnet bei ihm keine bloße Unordnung, sondern ein ontologisches Ineinander – ein Sein, das immer schon geteilt, durchmischt und relational ist.

  • Ingold
    – Keine isolierten Subjekte
    – Keine klare Trennung zwischen Innen und Außen
    – Wahrnehmung als Mitsein in einer Welt
    – Atmosphäre als gemeinsames Feld von Affekten und Kräften
  • Nancy mêlée
    – Vermischung
    – gegenseitige Durchdringung
    – Ko-Existenz ohne feste Grenzen
  • Merleau-Ponty: Obwohl er den Begriff mêlée nicht so programmatisch benutzt wie Nancy, entwickelt er mit Begriffen wie chair du monde ebenfalls die Idee eines verwobenen Wahrnehmungsfeldes, in dem Subjekt und Welt nicht getrennt sind. Ingolds Atmosphären- und Wahrnehmungsdenken steht deutlich in dieser phänomenologischen Tradition.

“In our experience of hearing, however, there is no inside and outside. Where, anatomically, our head should be, there lies the world. What then becomes of the ears? Have they, along with the head, dissolved into the ether? Or have they rather merged with our listening? If, as I have suggested, sound is not so much an object we hear as the underside of our own experience of hearing, and if this is what it means to be possessed of ears, then a walk in the woods on a stormy eve would find ourselves literally in a forest of ears, all around and above. Every creaking branch, every falling tree, every fold of the thunderous sky, would be listening to you, even in the passion of your listening to them. No one, of course, would be so foolish as to think that ears actually grow on the branches of trees, or that they float like flying saucers in the sky. This is not the point. It is a question not of anatomy, but of affect.” (2023:250).

«Sound Walks» (Fortsetzung)
Ingold fragt: Macht ein fallender Baum ein Geräusch, wenn niemand da ist, um es zu hören? Gibt es entweder ein physisches Geschehen, eine „mechanische Schwingung, die von einer energetischen Quelle ausgesendet wird“, oder eine psychische Instanz, einen Geist, ein Hörorgan (S. 248)? Ingold möchte „diese binären Gegensätze beiseitelassen“. Er schlägt vor, bei heulendem Sturm durch einen Wald zu gehen, und vergleicht diesen Spaziergang mit dem Aufenthalt auf See während eines Sturms. „Du wirst in ein Getümmel hineingerissen,“ „Dieses Milieu nennen wir eine Atmosphäre“ (S. 249); „Atmosphäre ist weder kosmisch noch affektiv, sondern die Verschmelzung beider“ (Tim Ingold: The Life of Lines, Abingdon, Routledge, 2015, S. 75). „Klang ist das atmosphärische Ereignis […] der Umstand deines Dortseins […] Der Klang selbst ist ein Index deiner Verstrickung“ (2023: 249).

„In unserer Erfahrung des Hörens gibt es jedoch kein Innen und Außen. Dort, wo anatomisch unser Kopf sein sollte, befindet sich die Welt. Was geschieht dann mit den Ohren? Haben sie sich zusammen mit dem Kopf im Äther aufgelöst? Oder sind sie vielmehr mit unserem Hören verschmolzen? Wenn, wie ich vorgeschlagen habe, Klang weniger ein Objekt ist, das wir hören, als vielmehr die Kehrseite unserer eigenen Hörerfahrung, und wenn genau dies bedeutet, Ohren zu besitzen, dann würden wir uns bei einem Spaziergang im Wald an einem stürmischen Abend buchstäblich in einem Wald von Ohren wiederfinden – ringsum und über uns. Jeder knarrende Ast, jeder fallende Baum, jede Falte des donnernden Himmels würde dir zuhören, selbst in der Leidenschaft deines Hörens auf sie. Natürlich wäre niemand so töricht zu glauben, dass tatsächlich Ohren auf den Ästen von Bäumen wachsen oder wie fliegende Untertassen am Himmel schweben. Darum geht es nicht. Es ist keine Frage der Anatomie, sondern der Affizierung.“ (2023: 250).

affect
Bei Tim Ingold bedeutet affect nicht einfach „Gefühl“ oder „Emotion“ im psychologischen Sinn. Der Begriff stammt aus einer philosophischen Tradition – besonders aus Baruch Spinoza, Gilles Deleuze und Félix Guattari – und bezeichnet dort die Fähigkeit von Körpern, aufeinander einzuwirken und voneinander betroffen zu werden.
Affect ist das Spüren und Erleiden von Kräften, Intensitäten und Beziehungen, bevor daraus klar benennbare Emotionen oder Bedeutungen werden.

„This is not a question of anatomy, but of affect.“ (2023: 250)
Es geht nicht darum, ob Bäume „wirklich“ Ohren haben. Entscheidend ist vielmehr, dass Mensch, Wald, Wind und Klang in ein gemeinsames Feld gegenseitiger Affizierung eintreten.

Der Sturm „ergreift“ einen:
– der Wind erfasst dich
– Geräusche umhüllen dich
– Orientierung verändert sich
– Spannung, Unruhe oder Ergriffenheit entstehen.

affect: ein relationales Geschehen zwischen Körper und Umwelt, vorsprachliche Intensität und Betroffenheit, Emotion ist ein benanntes Gefühl (Angst, Freude). Bei Ingold ist Klang kein Objekt „da draußen“, sondern etwas, das affiziert und in ein atmosphärisches Geschehen hineinzieht.

Hier verbindet sich Ingold stark mit:
– der Phänomenologie von Maurice Merleau-Ponty
– der Affekttheorie von Deleuze/Guattari
– indirekt mit Brian Massumi, der affect als „Intensität vor Bedeutung“ beschreibt.

forest of ears I
Nicht, weil alle(s) hört, sondern weil alles in einem Feld gegenseitiger Sensibilität und Resonanz steht, das ist mit forest of ears gemeint. Der Wald wird zu einer affektiven Umgebung, in der Wahrnehmung verteilt ist und nicht mehr nur im menschlichen Subjekt lokalisiert werden kann.

260509
forest of ears II
ein Rätsel
Übertragung von Vibrationen (Luftdruckunterschiede) („vibrations all around you“ – Seiji Tanaka) beschreibt das Gewitter im Wald, ohne cognitives processing. «Geräusche» will sagen, eine cochlea is involved – bezieht sich die Vibrationen im Sinne eines Hörens durch ein Hörorgan, meint die Anwesenheit eines Ohrs, meint eine Membran, meint Transformation der Vibrationen (Vibrationen? die wellenförmige Ausbreitung der Luftdruckunterschiede) in ein neuronales Geschehen. Von Geräuschen kann nur im Sinne eines neuronalen Geschehens die Rede sein, das (Hör)Organ spielt eine zentrale Rolle. Aber vielleicht geht Ingold von der Idee aus, dass was auch immer für welche Vibrationen, diese immer irgendwelche Membranprozesse auslösen, auf zellulärer Ebene, zB das Öffnen und Schliessen von Poren (Proteinen). Denkt Ingold an solche Blätter-Poren, Gräser-Poren, die am Geschehen beteiligt sind – also „hören“?
– ist Hören ein Synonym für Übertragung?
– würde «Übertragung» das Geschehen (ev. im Sinne einer agency) nicht treffender umschreiben?
– affizieren: affect bezieht sich auf die Fähigkeit von Körpern, aufeinander einzuwirken und voneinander betroffen zu sein

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Unterschied Hör-, Spürsinn
Affect, im Sinne des Aufeinander-Einwirkens, läge näher bei Spüren, Berührt-Werden
Hören als Aspekt des Spürsinns?
Hören als Distanz-Sinn
affiziert sein aus der Ferne

Der Magier im Garten
für Malinowski ein Rätsel, was die magischen Worte im Garten bewirken – Pflanzen können nicht hören (2023: 250)
Ingold „The real answer, I would suggest, is that by lending his voice to the chorus of earth and atmosphere, the magician brings about a kind of affective resonance, a commingling of energies, wherein lies the potential of the cosmos to generate new life. But as he listens for a response from the thunder and the winds, he lends his ears as well. For it is by way of the ears that meteorological phenomena such as these can assume an audible presence. And likewise, to return to the tree falling in the storm, by lending your ear so to the tree, you create the conditions for its cry to be heard. Your give the tree a voice that it would not otherwise have. Thanks to your presence, the tree can listen both to itself and to everything around – through you. […] The ear, in this sense, is the attentiveness of a body places on aural alert – not so much a “body with ears” as an “ear-body”. (2023: 251).

forest of ears III
„How, then, do you turn a body with ear into an ear-body? You have first to decompose it anatomically so that it can then a surgical operation, of course, but a switch of perspective from acoustics to phenomenology, or from objectification to experience. The ears, thenceforth, are no longer the organs of a body but the affective disposition of a body without organs. In this perspective, the body is not a self-contained entity, enclosed by an external skin and a set over and against a surrounding world, but a kind of probe, an antenna, that feels its way into the folds an along the creases of the crumbled atmosphere treading through the milieu much as a plant root of fungal hypha threads its way through the earth.” (2023: 251)

260518
Abschreiben, Ingold, Westernkamp, Biserna, ginge Stunden lang, ohne weiters und unablässig, lässiges Abschreiben – Adelboden:
Écriture, das Schnürchen, die Schnürchenschrift des Bruders, XY (Andrea zur Schreibwerkstatt in Giswil) schreibe in Blockschrift, welch eine Freude, die gesammelten Worte, zentripetal, ein nach innen (ins Zusammensein) gerichtetes Schleudern, wie es sich gehört: getrocknet, alles was gesagt wurde nicht weg, sondern zusammengeschleudert.

Ohren haben für’s Schreiben, wie verschieden Schreiben und Tippen sich anhört, die digi-Welt, Fingersysteme, wie ist’s mit Fingern zu denken? Also 10 aufs Mal. Handschriftlich, eine einzige Hand, wehe, wenn links, dann wird’s kindlich, kindisch, ab wann greift Graphologie? Fontologie – ha – eine Einstellungssache, an der Basis gestern, der Aushub mit A, die sehr wohl als Andrea getippt werden kann

Die tipp automatique an sich automatique, darum empfiehlt sich das Tippen nicht als écriture automatique.


Mme. S. Mart: Was erhoffen Sie sich vom Abschreiben ganzer Passagen aus Biserna/Ingold/Haraway?

Sie: Ob es besser wäre von Hand abzuschreiben? Abzutippen ist pragmatisch. Mit dem Abschreiben in den Fluss der Argumente eintauchen, ein erster Schritt den Gedanken eines Abschnitts zu vertiefen. Dem Gedanken-Gang nachvollziehen. Auswendig (Es setzt auf mich, EE), um sich den Zeilenumbruch zu vergegenwärtigen und um herauszufinden, welche Fehler sich einschleichen, beim Versuch das Gedicht aufzusagen, um wieder in den Schlaf zu finden.

Abschreiben: im Aufsatzheft meines Bruders mit einem roten Bleistift Zeile für Zeile der alten Tinte nachgefahren. Lesen konnte ich nicht. Der Vor-Schrift entlang möglichst eine perfekte doppelte Schrift nachziehen, rot auf blau. Ein Sommernachmittag. Geschichte meiner Abschriften.

Abschreiben statt selber etwas aufzuschreiben, im thick present, dem zähflüssigen, abschreiben, statt einen Song zu schreiben.


 

«Sound Walks» (Fortsetzung)
«Walking along, you hear the rhythmic pulse of your own steps. Moderated by the textures of the ground underfoot – whether hard or soft, gravelly or muddy – mingled with the sounds of the wind in the trees, the creaking branches, distant thunder, and all the other phenomena to which you lend your ears, bringing them thus into audible presence. How should this earthly and atmospheric chorus be described? Many would call it a soundscape. I am not convinced, however, that the term is entirely apt. For the chorus is not already laid out, waiting to be surveyed. Nor can it ever be played back, as a totality. It is ever-unfolding, in the contrapuntal interweaving of multiple strands that con only be unravelled an individuated form the inside. The shapes of sounds, as I have observed, can only me made out.  And in making them out, we make out ourselves as well. Like figure in the mist, both we and they have no substance apart from that of the milieu, in the folds and creases of which all existence hovers. To listen is continually to be reminded that we are not just possessors of the world in which we move around and find our being, but possessed by it. It is not, then that hearing provides a portal for the human mind to take possession of a world. It is rather that in taking possession of the human inhabitants, who world makes itself heard.

Ingold, Tim: “Between Noise and Silence: On Meaning of Sounds”, in: ders.: Imagining for real: essays on creation, attention and correspondence, New York, NY, Routledge, 2022, S. 106–7.

  • Sound as a Medium, Not an Object: Ingold famously argues that sound is not what we hear, just as light is not what we see. Instead, it is the medium through which we perceive and navigate our surroundings. We do not stand apart from sound; we dwell within it.
  • The «Soundscape» Critique: He strongly objects to the concept of a «soundscape». Viewing a soundscape as a fixed, objective, panoramic picture treats sound as an external objectified landscape. Ingold proposes «sound milieus» or atmospheres instead, emphasizing that sound is constantly flowing, changing, and enveloping us.
  • Noise as «Sense Out of Place»: Ingold often draws on anthropological concepts of dirt and order to define noise. To him, noise is «sense out of place» or nonsense. However, precisely because noise is formless and defies easy categorization, he acknowledges that it harbors immense creative potential.
  • Listening as Wandering: He compares attentive listening to flying a kite or wandering a path. Sound flows continuously like the wind. Listening is an active, ongoing exploration of this medium rather than a passive reception of data.

Weiterführendes:
Tim Ingold: Four objections to the concept of soundscape.
Tim Ingold: Being Alive, Routledge, 2011.
Angela Rawlings: To Listen Is to Relate Is to Sustain,
Angela Rawlings: www.arawlings.is
→ Ausstellung in Reykjavik

261 261013 Donna Haraway
Staying with the Trouble

Haraway, Donna: Staying with the Trouble – Making Kin in the Chthulucene, Durham and London, Duke University Press, 2016.

Stichworte
Introduction (216: 1–8)

  • Thick presence (Haraway 2016: 1)
  • “Our task is to make trouble, to stir up potent response to devastating events, as well as to settle troubled waters and rebuilt quiet places.”
  • Chthulucene: Kainos (now) und Chtonic (earthly)(2016: 2)
  • kinship
  • SF: science fiction, speculative fabulation, string figures, speculative feminism, science fact (Haraway 2016: 2)
  • Sympoesis = making with


Chapter 1

Playing Sting Figures with Companion Species (216: 9–29)
Multispecies Storytelling and the Practices of Companions (216: 10–16)

  • “Finished once and for all with Kantian globalizing cosmopolitics and grumpy human-exceptionalist Heideggerian worlding” (2016:11)
  • “Terrapolis exist in the SF web of always-too-much connection, where response-ability must be cobbled together, not in the existentialist and bond-less, lonely, Man-making gap theorized by Heidegger and his followers. Terrapolis is rich in world, inoculated against posthumanism but rich in com-post, inoculated against human exceptionalism but rich in humus” (2016: 11)
  • Being of the mud (2016: 11)
  • Marilyn Strathern’s (Gender of the Gift) ethnography of “thinking practices” (2016: 12) “It matters what matters we use to think other matters with” (2016: 12)
  • Alfred North Whitehead: The Adventures of Ideas
  • Isabelle Stengers
  • Becoming-with, not becoming (2016: 12)
  • “The category companion species helps me refuse human exceptionalism without invoking posthumanism.” (2016: 13)

California Racing Pigeons and Their People:
Collaborating Arts for Worldly Flourishing (2016: 16–29)
Becoming-with; Rendering-Capable (2016: 16–29)

PigeonBlog
Tauben und wie sie leben
– ein Hoch auf die Tauben und auf die pigeon people.
– Projekt by artist-researcher Beatriz da Costa and her students, 2006
– PigeonBlog = Tauben mit electronics auszurüsten (unter Absicherung der Animal Rights) um Daten zu Luftverschmutzung zu sammeln (?)
– viele Beteiligte (zB. animal rights)
– negociating skills etc.


Chapter 2

Tentacular Thinking
Anthropocene, Capitalocene, Chthulucene (2016:30–58)

  • “Modern Man” “as a chief product of these knowledge practices” (Haraway 2016:30), was unter anderem die biological sciences dazu beigetragen haben, im Gegenzug zu heute
  • “string figures as a theoretical trope” (2016: 31)
  • das Kapitel hangelt sich von Buch zu Buch: Katie King, Guattari, Stengers, Marilyn Strathern, Hannah Arendt about Eichmann: “a commonplace of thoughtlessness” (2016: 36), AnnaTsing, Thom van Dooren (grief, mourning), Ursula Le Guin, Latour (brauche einen Feind, on war, den er nicht will, aber er schlage keine andere Geschichte vor (2016: 43), Stengers (multi-faced Gaïa), James Lovelock, Lynn Margulis

eine Aneinanderreihung/Aufzählung/thinking with ihren littermates (2016: 31)
die Idee des Intanglements illustierend, nicht vertiefend, kommentiert sie die oben genannten.
den Faden verlierend

Anthropocene
Opening den Abschnitt mit fire, in 2015 einer anhaltenden Dürrezeit, creating fire-barriers (by fire),  fire seasons, fire and the ongoingness
Geschichte des Begriffs Antropocene (2016: 44), urspünglich durch den ecologist Eugene Stoermer

Capitaloscene
Haraway verwirft Antroposcene als ein “tool, story, or epoch to think with” (2016: 49).

  1. Die Geschichte geht schlecht aus, im Sinne eines double death, keine ongoingness
  2. Spieces Man macht nicht Geschichte
  3. “Man plus Tool does not make history
  4. keine human exceptionalists
  5. Entscheidend sind “geostories, Gaia stories, symchthonic stories, terrans do webbed, braided, and tentacular living and dying in sympoetic multispieces string figures” (2016: 49)
  6. Antroposcene denkt den sozialen Appartus top-heavy. “Revolt needs other forms of action and other stories for solace, inspiration, and effectiveness” (2016: 49)
  7. “ “unthinkable” theorie of relations”, zu viel “bounded utilitarian individualismus” (2016: 49)
  8. Modern Synthesis verstehen nichts von “sympoiesis, symbiogenesis, development, webbed ecologies and microbes” (2016: 49)
  9. Kein Begriff für care, weather, indigenous people

 Chthulucene
“a thousand names of something else, to erupt out of the Antropocene into another big enough story.” (Haraway 2016:52)
Icon des Chthulucene: Potnia Theron with a Grogon Face  Abbildung 2.6. gzder Potnia Theron/Melissa/Medusa, (Haraway 2016:53)
→ Geschichte von Medusa
Chthulucene ist die “third netbag for collecting up what is crucial for ongoing, for staying with the trouble” (Haraway 2016:55)
“We are humus, not Homo, not anthropos; we are compost, not posthuman. As a suffix, the word kainos, “-cene,” signals new, recently made, fresh epochs of the thick present. To renew the biodiverse powers of terra is the sympoietic work and play of the Chthulucene. Specifically, unlike either the Anthropocene or the Capitalocene, the Chthulucene is made up of ongoing multispecies stories and practices of becoming-with in times that remain at stake, in precarious times, in which the world is not finished and the sky has not fallen – yet.” (Haraway 2016:53)
Haraway findet in Chthulucene einen Weg für staying with the trouble, um nicht sagen zu müssen – zu spät! – um nicht zynisch werden zu müssen, Flechten, Korallen und Tentakelwesen als Vorbilder, Chthulucene ist unfinished.


Chapter 3

Sympoiesis – Symbiogenesis and the Lively Arts of Staying with the Trouble
(2016: 58–98)

 Lynn Margulis (1938–2011)

  • Evolutions-Biologin
  • ihrer Ansicht nach ist die Evolution durch symbiotische Prozesse geprägt
  • im Widerspruch zum Neo-Darwinismus
  • “…she was a founder of Gaia theory with James Lovelock and a student of interlocked and multileveled systemic processes of nonreductionist organization and maintenance that make earth itself and earth’s living beings unique, Marguils called these processes autopoietic.” (Haraway 2016:60)
  • der Begriff “sympoiesis,” – fehlte, the concept had not yet surfaced (Haraway 2016:61)

Symbiogenesis
Symbiogenesis = making with – “Nothing makes itself” (2016: 58)

Lynn Margulis: autopoiesis, Gaia-Theorie

  • Holobionts = entire beings ≠ One, not Individuals but = polytemporal, polyspatial knottings (Haraway 2016:60)
  • holoents = Begriff von H. “I propose holoents as a general term to replace “units” or “beings.” (Haraway 2016:60)
  • “Symbiosis is not a synonym for “mutually beneficial.” The array of names needed to designate the heterogeneous webbed patterns and processes of situated and dynamic dilemmas and advantages for the symbionts/holobionts is only beginning to surface as biologists let go of the dictates of possessive individualism and zero-sum games as the template for explanation.” (Haraway 2016:60)

Beth Dempster: Sympoiesis
-1998 environmental studies graduate student
– Bakterien (aber auch Pilze) stehen als holents im Zentrum der Argumentation

Charles Darwin: On the Origin of Spieces, 1859
biological evolutionary theory

Margulis, ed. all untersuchen Zellen als multipartnered entities, komplexe Zellenprozesse, critters, holobioms, coral reefs, Bakterien
Nicole Kings, University of California. Berkeley

  • Es geht um Modelle
  • Modell-Systeme zu bauen
  • “What distinguishes King’s lab is its production of a model system that is experimentally tractable, transferable in principle to other sites, and generative of testable questions at the heart of being animal. To be animal is to become-with bacteria (and, no doubt, viruses and may other sorts of critters: a basic aspect of sympoiesis is its expandable set of players).” (Haraway 2016:65)

McFall–Ngai (“Diving the Essence of Symbiosis” and Edward (Ned) Ruby on squid bacteria
Die Titel dieser Publikationen sprechen Bände:

  • Gilbert, Sapp, Tauber: A Symbiotic View of the World – We have Never Been Individuals
  • McFall–Ngai et al: Animals in a Bacterial World: A New Imperative for the life Science

Interlacing Science and Arts with Involutionary Momentum
⇔ Zusammenfassung Introduction: (2016: 5)

  • Sympoiesis in ecological evolutionary developmental biology and in art/science activisms committed to four iconic troubles places:
    • Coral reef holobiomes
    • Black Mesa coal country in Navajo and Hopi land (fuel extraction zones impacting especially ferocious on indigenous peoples
    • Complex lemur forest habitats in Madgascar
    • North American circumpolar lands and seas (colonialism, Erderwärmung, Polar Eis)

“This chapter makes string figures with the threads of reciprocating energies of biologies, arts, and activisms for multispecies resurgence, Navajo–Churro sheep, orchids, extinct bees, lemurs, jellyfish, coral polyps, seals, and microbes play leading roles with their artists, biologists, and activists” (Haraway 2016:5).

Involutionary Momentum das Paper von Carla Hustak and Nathasha Meyers als Relektüre von Darwin und seiner “sensuous writing about his exquisite attention to absurdly sexual orchids” (Haraway 2016:68)

“Hustak and Myers argue that a zero-game based on competing methodological individualists is a caricature of the sensuous, juicy, chemical, biological, material-semiotic and science-making world.” (Haraway 2016:68)

 


…:

  • Zeichnen und augumented Hören
  • probeweise Begriffe Habitat, Involution
  • einen Schritt zur Seite von Musik-Wissen, von Musik-Kultur zu worlding, zu becoming-with
  • Hören als SF = string figure
  • Hören als becoming-with
  • Tiere werden erst mit/durch Bakterien zu Tieren
  • Hören als melée als grundlegendes „Miteinander-Verwickeltsein“ von Körpern, Stimmen, Sinn, Politik und Welt
  • affection
  • affect: “Entscheidend ist vielmehr, dass Mensch, Wald, Wind und Klang in ein gemeinsames Feld gegenseitiger Affizierung eintreten“(Ingold 2023:250)
  • forest of ears

“In our experience of hearing, however, there is no inside and outside. Where, anatomically, our head should be, there lies the world. What then becomes of the ears? Have they, along with the head, dissolved into the ether? Or have they rather merged with our listening? If, as I have suggested, sound is not so much an object we hear as the underside of our own experience of hearing, and if this is what it means to be possessed of ears, then a walk in the woods on a stormy eve would find ourselves literally in a forest of ears, all around and above. Every creaking branch, every falling tree, every fold of the thunderous sky, would be listening to you, even in the passion of your listening to them. No one, of course, would be so foolish as to think that ears actually grow on the branches of trees, or that they float like flying saucers in the sky. This is not the point. It is a question not of anatomy, but of affect.” Tim Ingold: «Sound Walks», in: Biserna, Elena (ed.): Going Out – Walking, Listening, Soundmaking, Brussel, umland edition, 2023, S.250.

Weiterführendes Material
263 Log Listening_Tim Ingold

Konzert im Museum Morsbroich (Ausstellung mit Zeichnungen von Beuys)
Trio mit Hans Schneider und Erhard Hirt (oder Peter Van Bergen, oder Melvin, oder Quartett)? An die Wand gelehnt, mehr erinnere ich mich nicht. Anlehnen, viele Töne der anderen. Maggie – Maggie! – hätte zu tanzen begonnen. Kaum je weniger zu einem Konzert beigetragen (vgl. Poschiavo, Cool Jazz Festival mit 6ix?)

Konzert-Habitat, familiär verstummt, gefangen auf der Bühne, kein Davonkommen, an die Wand gelehnt, zuhören. Musik as a forest of ears: Teil eines worldings, oder ausgeschlossen? Was ist mit ihr?

  •  forest of ears III
    „How, then, do you turn a body with ear into an ear-body? You have first to decompose it anatomically so that it can then a surgical operation, of course, but a switch of perspective from acoustics to phenomenology, or from objectification to experience. The ears, thenceforth, are no longer the organs of a body but the affective disposition of a body without organs. In this perspective, the body is not a self-contained entity, enclosed by an external skin and a set over and against a surrounding world, but a kind of probe, an antenna, that feels its way into the folds an along the creases of the crumbled atmosphere treading through the milieu much as a plant root of fungal hypha threads its way through the earth.” (Ingold 2023: 251)

 

250530
involution = Ineinanderfaltung, Verstrickung
“What is at stake in this involutionary approach is a theory of ecological relationality that takes seriously organisms’ practices, their inventions, and experiments crafting interspecies lives and worlds. This is an ecology inspired by a feminist ethic of “response-ability”… in which questions of species difference are always conjugates with attentions to affect, entanglements, and rupture; an effective ecology in which creativity and curiosity characterize the experimental forms of life of all kins of practitioners, not only the humans.” Hustak, Carla and Natasha Myers, “Involutionarty Momentum,” in: difference 23, no.3.2012, p. 77.

Darwins: «sensuous writing about his exquisite attention to absurdly sexual orchids» (Haraway 2016: 68)

  1. Gegen das Bild des distanzierten Wissenschaftlers
    Haraway liest Darwin nicht als kalten Beobachter, der von außen objektive Fakten sammelt.
    Sie betont vielmehr, wie sehr Darwin von seinen Orchideen fasziniert war: ihre Formen, Tricks, Verführungstechniken, ihren Beziehungen zu Insekten
    Darwins Schreiben ist voller Staunen, Neugier und manchmal sogar Humor. Für Haraway zeigt sich darin: Erkenntnis entsteht nicht durch Distanz, sondern durch Aufmerksamkeit, Beteiligung und Affizierung. Das verbindet sich direkt mit ihrem Begriff des attunement (Eingestimmtsein).
  2. Die Orchidee zerstört die Vorstellung autonomer Individuen
    – Darwins Orchideenbuch
    – zeigt, dass Pflanzen nicht einfach passive Organismen sind.
    – Die Orchideen existieren nur durch: Bestäuber, Gerüche, Formen, sexuelle Anlockung, Ko-Evolution
    – Eine Orchidee ist gewissermaßen ein Knotenpunkt von Beziehungen, als becoming-with
  3. „absurdly sexual“ Darwin war fasziniert davon, wie unglaublich kompliziert und geradezu extravagant die Sexualität der Orchideen ist.
    – Imitieren Insektenweibchen, täuschen Paarungspartner vor, manipulieren Bestäuber
    – Mit anderen Worten: die Natur ist nicht ordentlich, zweckmäßig und nüchtern, sie ist verspielt, exzessiv, überraschend und voller Affekte und keine saubere, rationale Naturordnung.
  4. Verbindung zu Hustak und Myers involutionary
    – Für Natasha Myers und Carla Hustak zeigen Orchideen und Insekten: Evolution ist nicht bloß Konkurrenz. Evolution geschieht durch Verführung.
    – Evolution geschieht durch Affekte. Evolution geschieht durch gegenseitige Anziehung.
    – Es handelt sich um selbstorganisierende, zyklische und transformative Prozesse
    – Darwin wird so zum Zeugen einer Welt, in der Lebewesen nicht isoliert sind, sondern durch ihre Beziehungen hervorgebracht werden.
  5. Warum Haraway Darwin gegen manche Darwinismen verteidigt, benutzt Darwin teilweise
    – gegen den späteren Darwinismus. Sie interessiert sich weniger für: Konkurrenz, Fitness, Selektion als Kampf
    – sondern für den Darwin der Orchideen: aufmerksam, neugierig, sinnlich, fasziniert von Verflechtungen
    – Darwin der Orchideen erscheint als Vorläufer desmaking kin, oddkin oder becoming-with

Wenn Haraway Darwins „sinnliches Schreiben über absurd sexuelle Orchideen“ hervorhebt, will sie zeigen, dass Natur bereits bei Darwin als ein Geflecht von Verführungen, Affekten und Ko-Evolution erscheint. Die Orchideen werden zum Beispiel dafür, dass Leben nicht aus autonomen Individuen besteht, sondern aus Beziehungen, die Organismen gegenseitig hervorbringen.

Science Art Worldings for Staying with the Trouble (Haraway 2016: 71– )

  1. Coral reef holobiomes
  2. Black Mesa coal country in Navajo and Hopi land (fuel extraction zones impacting especially ferocious on indigenous peoples)
  3. Complex lemur forest habitats in Madagascar
  4. North American circumpolar lands and seas (colonialism, Erderwärmung, Polar Eis)

“Each of these projects is a case of noninnocent, risky, committed “becoming involved in one another’s lives” ” (Haraway 2016:71)
“They are sympoietic, symbiogenetic, and symanimangenic.”
(Haraway 2016: 72)
Four critical Zones (Haraway 2016: 72–76)
Beschreibung von 1-4 siehe oben

Resurgence in Four Parts
(Haraway 2016: 76–)
→ science art worldings for living on a damaged planet
THE CROCHET CORALL REEF (Haraway 2016: 76–81)
initiated by Margaret and Christine Wertheim (Brisbane)
THE MADAGASKAR AKO PROJECT (Haraway 2016: 81–85)
by Alison Jolly and Hanta Rasamimananana
NEVER ALONE (KISIMA INGITCHUNA) (Haraway 2016:86–89)
“world games” beruhen auf indigenen Geschichten und Praktiken = “worlding practices”
indigenes Wissen als unentbehrliche Perspektive auf “coming extinctions and exterminations”
→ indigenes Wissen teilen
“agency of multiple spirit helpers” (Haraway 2016:88)
→ vgl Ursula Le Guin: Always Coming Home

Wichtig
– Viviero de Castro’s Ausführungen zu Animismus als “sensibler Naturalismus”
– “Glaube” versus sensible science
– Endnoten nicht vergessen.
(Haraway 2016: 88)

“Working with Brazilian Amerindian hunters, with whom he learned to theorize the radical conceptual realignment he called multinaturalism and perspectivism Eduardo Vivieros de Castro wrote, “Animism is the only sensible version of materialism.” (Eduardo Vivieros de Castro, personal communication October 2, 2014) […] Belief is neither an indigenous nor a “chthulucenean” category. Relentlessly mired in both internecine and colonizing disputes of Christianity, including its scholarly and civic secular forms, the category of belief is tied to doctrine, profession, confession and taxonomies of errors. That is, believing is not sensible (siehe unten (1)). I am talking about material semiotics, about practices of worlding, about sympoiesis that is not only symbiogenetic, but is always a sensible materialism. The sensible materialisms of momentum are much more innovative than secular modernisms will allow. Stories for living in the Chthulucene demand a certain suspension of ontologies and epistemologies, holding the lightly, in favor of more venturesome, experimental natural histories.” (Haraway 2016: 88)

Endnote 72
That is one of the reasons that “belief” has nothing to do with the practice of the science. Sciences are sensible practices, in all their material semiotic workings, including mathematics and physics. Isabelle Stengers has been relentlessly cogent on this point; her love of Galileo’s inclines planes depends on understanding that science is sensible. Asking if one “believes” in evolution of climate change is a Christian question, in both religious and secular formats, for which only a confessional reply is accepted. In such worlds, Science and Religion reign and there it is impossible to play Never Alone. (Haraway 2016: 200)

260617
WEAVING: COMOLOGICAL PERFORMANCE, MATHEMATICAL RHYTHM, NAVAJO-CHURRO SHEEP, HÓZHÓ (Haraway 2016: 89–)
“Weaving is neither secular nor religious; it is sensible. It performs and mainfests the meaningful lived connection of sustaining kinship, behavior, relational action – for hózhó – for humans and nonhumans. Situated worlding is ongoing, neither traditional nor modern.” (Haraway 2016: 91)
→ künftige Tonbandgewebe

hózhó:
“A refrain from Navajo prayers often accompanies a weaver’s work: “With me is beauty” (shil hózhó); “in me there is beauty” (shii’ hózhó); “from me beauty radiates” (shits’ áá d óó hózhó). Hózhó is a central concept in Navajo cosmology and daily practice.” (Haraway 2016:90)
Das Kapitel schildert die traumatische Geschichte der Navajos (Vertreibung und Todesmärsche, Ausmerzen ihrer Schafe, Wiederansiedlung, Diktat des Handels mit Wolldecken, Sorten von Wolle und ihre Verwendungen – erst unter dem Terror kolonialistischer Siedlungspolitik, es folgen government scientists (science-Terror) – schwer vorstellbar, wie es sich als Navajo ohne Zorn und Hass leben lässt, unvorstellbar. Unerträglich, dieses Kapitel zu lesen. Vor diesem Hintergrund erscheinen künftige Webereien (Tonband) nichtig und dass sie sich erst noch erdreisten hózhó für sich in Anspruch zu nehmen, arg! = appropriation pure. So nicht.

statt Arragment (vgl. Eintragungen zu COMPOSITES in Saltport, Island)
– composit / composist
– compost
– critter

 

Chapter 4
Making Kin – Anthropocene, Capitalocene, Plantationocene, Chthulucene
(Haraway 2016: 99–103)
Begriffe für das heutige Erdzeitalter (Haraway 2016: 100)

  • Anthropocene
  • Plantationocene
  • Capitalocene

Für das heutige und das kommende:

  • Chthulucene

implying

  • Flourishing for rich multispecies assemblages
  • myriad temporalities and spatialities
  • myriad intra-active entities-in-assemblages

including

  • more-than-human
  • other-than-human
  • inhuman
  • human-as-humus

“Evon rendered in an American English-language text like this one, Naga, Gaia, Tangaroa, Medusa, Spider Woman, and all their kin are some of the many thousand names proper to a veil of SF that Lovecraft could not have imagined or embraces – namely, the webs of speculative fabulation speculative feminism, science fiction, and scientific fact. It matters with stories tell stories, which concepts think concepts. Mathematically, visually, and narratively, it matter which figures figure figures, which systems systematize systems.” (Haraway 2016: 101)

Haraway speaks of herself as a compostist

 

Chapter 5
Awash in Urine – DES and Premarin in Multispecies Response-ability (Haraway 2016: 104–116)
Cyborg Littermates
(Haraway 2016: 104–105)

Begriff des Cyborgs
(weder das noch das noch das (Cyborg Zeit verpasst / Cyborg Neuling)
Cyborgs: “…post World War II information technologies and globalized digital bodies, politics, and culture of human and not-human sorts. Cyborgs are not machines in just any sense, nor are they machine-organism hybrids. In fact, they are not hybrids at all. They are, rather, imploded entities, dense material semiotic “things” – articulated string figures of ontologically heterogeneous, historically situated, materially rich, virtually proliferating relatings of particular sorts, not all the time everywhere, but here, there, and in between with consequences. Particular sorts of historically situated machines signals by the words information and system play their part in cyborg living and dying. Particular sorts of historically situated organisms, signals by the idioms of labor systems, energetics, and communication, play their part. Finally, particular sorts of historically situated human being, becoming-with the practices and artifacts of technoscience, play their part. Characterized by partial connections, parts do not add up to any whole; but they do add up to worlds of nonoptional, stratified, webbed, and unfished living and dying, appearing and disappearing. Cyborgs are constitutively full of multiscalar, multitemporal, multimaterial critters of both living and nonliving persuasions. Cyborgs matter in terran worlding. But Cyborgs are critters in a queer litter, not the Chief Figure of Our Times.” (Haraway 2016: 104f)

DES for Hot Peppers
(Haraway 2016: 105–110)
Inkontinenz / estrogen deficiency
DES = diethylstilesterol ist ein synthetisches Östrogen
Zur Verhinderung von Fehlgeburten, aber gar nicht zuverlässig der Fall
Gesundheitliche Folgen für die Kinder über Generationen hinweg
Entwicklung von DES, Diagnosen und Verschreibung von DES
DES Anxiety Syndrome: mit den langfristigen Folgen leben zu müssen
DES zeigt, dass Menschen keine autonomen Individuen sind, sondern durch Stoffe, Technologien, Geschichte und Verwandtschaftsbeziehungen miteinander verflochten.
DES-Politik: fragwürdige Verbindungen von Agrikultur-Wissenschaften, Farmer und Investoren
Wachstumshormone
Die Diskussion um DES und das «DES Anxiety Syndrome» berührt verschiedene Bereiche wie Medizin, Ethik, Recht, Gesellschaft und Politik. Haraway zeigt, wie Medikamentensicherheit und Patientenrechte im Laufe der Zeit stärker in den Fokus gerückt sind und wie die Erfahrungen von Betroffenen zu Veränderungen in der medizinischen Praxis und der gesellschaftlichen Wahrnehmung geführt haben.

Conjugating Kin with Premarin
(Haraway 2016: 110–114)
Urin von schwangeren Pferden/Zebras/Frauen für Big Pharma
Erst der grosse Markt, dann das grosse Desaster (Haraway 2016: 112)
“harvesting mare urine remains a worldwide business…”
HorseAid kontrolliert die Pferdefarmen (Haraway 2016: 113)
“In my DES story, tracking Cayenne’s urine spots to out-of-the-way places brought us into a still-expanding conglobulation of interlinked research, marketing, medical and veterinary activist, agricultural and scholarly body- and subject-making apparatuses. Digital and molecular species vied for attention with urethras and vaginas. Females in trouble seemed to luxuriate everywhere; even the industrially synthesized molecules seemed to respond to the lure (always nonreproductive, in this story) sexual tropisms despite decades of astute feminist wariness of so-called sex hormones. Cyborgs laughed. Do cyborgs get mitral valve disease or go through menopause? Of course they do, just like their kin.” (Haraway 2016:114f.)

Viral Resonse-ability
(Haraway 2016: 114–116)
→ Zusammenfassung und Übersicht über die Verwicklung/Oestrogen/Netzwerke siehe S.115


Chapter 6

Sowing Worlds – A seed Bag for Terraforming with Earth Others
(Haraway 2016: 117–125)
“Sowing worlds is about opening up the story of companion species to more of its relentless diversity and urgent trouble.” (Haraway 2016: 118)

to sow = säen
Auf Grundlage von Le Guin Carrier carrier bag theory
→
Bags, Schüsseln, Säcke, Gefässe, container, net, eine Muschel → Gründe genug eine(s) herzustellen aus meinen Tapes →  vergleiche Composites (Saltport)

“Nonetheless, no adventurer should leave home without a sack.”
(Haraway 2016: 118)

Reines Prochaines and Friends: Memory Foam, Winter/Frühling 2027
The Hero trägt seine Beute/Trophäe nicht selbst nach Hause, lässt andere sie tragen. Er braucht keinen Beutel. Die Silouetten des Körpers nicht verunstalten. Die Handtasche lässt die Silouette intakt. Wessen Manteltaschen sind vollgestopft? Wer hingegen trägt nichts auf sich? Wer müht sich mit Le Guins carrier bags? Wer schleppt Säcke, Beutel, Lasten?

matter:
“Planting seeds requires medium, soil, matter, mutter, mother. These words interest me greatly for and in the SF terraforming mode of attention. In the feminist SF mode, matter is never “mere” medium to the “informing” seed; rather, mixed in terra’s carrier bag, kin and get have a much richer congress for worlding. Matter is a powerful, mindfully bodied word, the matrix and generatrix of things, kin to the riverine generatrix Oya.” (Haraway 2016:120)

Public AI: Oya in der Yoruba-Mythologie, einer afrikanischen Volksgruppe in Westafrika, insbesondere in Nigeria. Oya ist eine bedeutende Orisha (Göttin oder Geist) in der Yoruba-Religion, die oft mit Stürmen, Wetter, Veränderung und Transformation assoziiert wird. «Generatrix Oya» bei Haraway symbolisiert also die Kraft der Transformation und die Notwendigkeit, in einer Zeit des Wandels und der Krise aktiv an der Schaffung einer besseren Zukunft mitzuwirken. Es ist ein Aufruf, die Macht der Veränderung und des Wandels anzuerkennen und diese Kraft positiv zu nutzen, um eine nachhaltige und ethische Zukunft zu gestalten.

Therolinguism
Public AI: Es scheint, dass «therolinguism» eine Kombination aus «thero-» (bezogen auf Therianthropie, was die Identifikation mit Tieren oder das Gefühl, ein Tier zu sein, beschreibt) und «-linguism» (bezogen auf Linguistik oder Sprachtheorie) sein könnte.

  • Therianthropie und Sprache: Therolinguism könnte als eine Art «Sprache der Therianthropie» verstanden werden, also eine sprachliche oder linguistische Praxis, die sich mit der Identität und dem Ausdruck von Menschen beschäftigt, die sich mit Tieren identifizieren oder tierische Eigenschaften besitzen. Dies könnte die Art und Weise betreffen, wie solche Individuen ihre Identität und Erfahrungen durch Sprache beschreiben und darstellen.
  • Tier- und Sprachtheorie:Es könnte auch eine Theorie oder Praxis sein, die sich mit der Sprache von Tieren oder der Kommunikation zwischen Menschen und Tieren beschäftigt. Dies könnte die Untersuchung der Sprache als ein Mittel der Verbindung zwischen verschiedenen Arten beinhalten.

Zur diesem Sprach-worlding gehören: language is communication, collective kinesthetic semiotics, chemosensory, visual and tactile language.
(Haraway 2016: 122)

Was ist mit dem “ways of knowing” der Pflanzen?
→ phytolinguists | CdG
Bsp: ants and Acacia verticulata

 

Chapter 7
A Curious Practice
(Haraway 2016: 126–133)
“Interesting research is research conducted under conditions that make beings interesting.”

Vinciane Despret
“To think with an enlarged mentality means that one trains one’s imagination to go visiting.”
Hannah Arend, Lectures on Kant’s Political Philosophy
(Haraway 2016:126)

Public AI:
Vinciane Despret ist eine belgische Wissenschaftstheoretikerin, Philosophin und Soziologin, die sich mit den Beziehungen zwischen Menschen, Tieren und der Umwelt beschäftigt. Sie ist bekannt für ihre kritische und kreative Herangehensweise an die Erforschung von Tier-Mensch-Beziehungen, die sich von traditionellen wissenschaftlichen Methoden und Diskursen abhebt.

  • Interdisziplinäre Ansätze: Despret verbindet Ansätze aus der Soziologie, Philosophie, Biologie und Ethnologie, um die komplexen Beziehungen zwischen Menschen und Tieren zu untersuchen. Sie kritisiert oft die binären Denkweisen (z.B. Mensch vs. Tier, Natur vs. Kultur) und sucht nach neuen Wegen, um diese Beziehungen zu verstehen und darzustellen.
  • Tier- und Umweltethik: Ein zentrales Thema in Despret’s Arbeit ist die Ethik der Beziehungen zwischen Menschen und anderen Arten. Sie betont die Notwendigkeit, Tiere und die Umwelt nicht nur als Ressourcen oder Objekte zu betrachten, sondern als Akteure mit eigenen Interessen, Bedürfnissen und Rechten.
  • Kritik an traditionellen Wissenschaftsmethoden: Despret hinterfragt, wie Wissenschaft und Forschung die Beziehungen zu Tieren und der Umwelt gestalten und oft vereinfachen. Sie plädiert für eine Forschung, die die Komplexität und Vielfalt der Beziehungen anerkennt und die Perspektiven der Tiere und der Umwelt einbezieht.
  • Kreatives Denken und Erzählen: Despret nutzt oft kreative und narrative Formen, um ihre Theorien und Beobachtungen zu vermitteln. Dies kann Geschichten, Fiktion, Essays und andere nicht-traditionelle Formen der Wissenschaftskommunikation beinhalten.
  • Beiträge zu Animal Studies und Posthumanismus: Despret ist ein wichtiger Beitrag zu den Animal Studies und zum Posthumanismus, indem sie neue Perspektiven auf die Rolle von Tieren in menschlichen Gesellschaften und die Natur der Beziehungen zwischen Menschen und anderen Arten vorschlägt.

Bibl. (Auszug)
– What Would Animals Say If We Asked the Right Questions?» (Despret 2016) – In diesem Buch untersucht Despret, wie wir mit Tieren kommunizieren und sie verstehen können, und wie wir unsere Fragen und Annahmen über Tiere und ihre Fähigkeiten hinterfragen sollten.
– Animals and the Shaping of Modernity» (Despret 2004) – Ein Beitrag zu einer Anthologie, in der Despret die Rolle von Tieren in der modernen Gesellschaft und Kultur untersucht.
– Habitus of a Bee» (Despret 2013) – Ein Essay, in dem sie die Komplexität des Verhaltens von Bienen und die Bedeutung von Bienen für unsere ökologische und soziale Welt untersucht.

Despret und Haraway teilen viele Interessen und Perspektiven, insbesondere in Bezug auf die Kritik an traditionellen wissenschaftlichen Methoden, die Betonung der Interdependenz zwischen Menschen und anderen Arten, und die Notwendigkeit, ethische und verantwortungsvolle Beziehungen zu Tieren und der Umwelt zu fördern. Beide sind in der Posthumanismus- und Animal-Studies-Debatte aktiv und haben sich gegenseitig beeinflusst.

Haraway über Despret
“Vinciane Despret thinks-with-other beings, human and not. That is a rare and precious vocation. Vocation: calling, calling with, called by, calling as if the world mattered, called out, going too far, going visiting. Despret listened to a singing blackbird one morning – a living blackbird outside her particular window – and that way learned what importance sounds like. She thinks in attunement with those she thinks with–recursively, inventively, relentlessly – with joy and verve. She studies how beings render each other capable in actual encounters and she theorizes – make cogently available – that kind of theory and method. Despret is not interested in thinking by discovering the stupidities of others, or by reducing the field of attention to prove a point. Her kind of thinking enlarges, event invents, the competencies of all players, including herself, such that the domains of way of being and knowing dilates, expands, add both ontological and epistemological possibilities, proposes and enacts what was not there before.” (Haraway 2016: 127f)

Despret bezieht sich auf die Verhaltensforscherin Thelma Rowell and “the virtue of politeness,” insbesondere in Bezug auf “to go visiting.” “Visiting is not an easy practice; it demands the ability to find others actively interesting […] to ask questions that one’s interlocutors truly find interesting, to cultivate the wild virtue of curiosity, to retune one’s ability to sense and respond – and to do all this politely.” (Haraway 2016: 127)
Interessanter Abschnitt zu “visiting”: es geht um Neugierde, um sich überraschen zu lassen, um produktive Missverständnisse, darum bereit zu sein, und „etwas interessantes“ zuzulassen, nicht zu viel vorwegzunehmen, um Intraaktivität. „Visiting is a subject- and object-making dance, and the choreographer is a trickster.” (Haraway 2016: 127)

Public AI
Thelma Rowell (1921-2015)
– war eine britische Biologin und Ethologin, die für ihre bahnbrechenden Arbeiten zur Verhaltensforschung, insbesondere bei Löwen, Hyänen und anderen afrikanischen Wildtieren, bekannt ist. Ihre Forschungen fanden überwiegend in der Wildnis statt, was zu ihrer Zeit ungewöhnlich war, insbesondere für eine Frau in der Wildtierforschung.
– Feldforschung: Rowell war eine der ersten, die langfristige Feldstudien über Löwen in ihrer natürlichen Umgebung durchführte. Ihre Beobachtungen zeigten, dass Löwen weitaus sozialer und kooperativer sind, als man damals angenommen hatte. Sie widerlegte die verbreitete Vorstellung, dass Löwen hauptsächlich Einzelgänger seien.
– Ethologie und Ethik: Rowell betonte die Notwendigkeit, Tiere in ihrer natürlichen Umgebung zu studieren, um authentische und nicht verfälschte Verhaltensweisen zu beobachten. Dies war ein wichtiger Beitrag zur Entwicklung der modernen Ethologie.
– Pionierin: Als Frau in einem von Männern dominierten Feld, war Rowell eine Pionierin und Inspiration für viele, die sich für die Feldforschung und insbesondere für die Verhaltensforschung interessieren.
– Publikationen: Obwohl sie zahlreiche wissenschaftliche Artikel und Berichte veröffentlichte, sind ihre bekanntesten Werke oft in populärwissenschaftlichen Büchern zusammengefasst, wie zum Beispiel «The Private Life of the Lion» (Rowell 1971), in denen sie ihre Beobachtungen und Erkenntnisse einer breiteren Öffentlichkeit zugänglich machte.

Tiere reagieren auf die Art und Weise wie sie beobachtet werden. Es gibt kein neutrales Aussen, keinen objektiven wissenschaftlichen Standpunkt: “with” nicht “on” (Haraway 2016: 128)

Zu Desprets Zusammenarbeit mit Jocelyne Porcher und den französischen Schweinezüchern ” (Haraway 2016: 129)
Isabel Stengers and Vinciane Despret: Women Who Make a Fuss: The Unfaithful Daughters of Virignia Wolf”

 

Chapter 8
The Camille Stories – Children of Compost
(Haraway 2016: 134–168)
Dreh- und Angelpunkt ist Stengers Kolloqium: gestes spéculatifs, Sommer 2013 in Cerisy

Im Sommer 2013 fand in Cerisy (Frankreich) ein Kolloquium statt, das von Isabelle Stengers organisiert oder geleitet wurde und sich mit dem Thema «Gestes Spéculatifs» befasste, insbesondere in Bezug auf spekulative Praktiken, Wissenschaftsphilosophie und die Rolle von Wissenschaft und Philosophie in der Gesellschaft. Isabelle Stengers, belgische Philosophin, die vor allem für ihre Arbeiten zur Wissenschaftsphilosophie, feministischen Theorie und spekulativen Praxis bekannt ist. Sie hat maßgeblich zur Entwicklung des Konzepts des spekulativen Realismus beigetragen, insbesondere in Zusammenarbeit mit anderen Denkern wie Bruno Latour. Stengers‘ Arbeit betont die Notwendigkeit, die Grenzen zwischen Wissenschaft, Philosophie und Alltagspraxis zu überschreiten, um neue Formen des Wissens und des Handelns zu erzeugen.
Das Colloque de Cerisy „Gestes spéculatifs“ (29. Juni–5. Juli 2013) ist ein wichtiger Bezugspunkt für Haraways Staying with the Trouble. Viele Ideen, die sie dort entwickelt – etwa response-ability, making kin, speculative fabulation und becoming-with –, entstanden im Austausch mit diesem Kreis von Philosoph:innen, Anthropolog:innen, Künstler:innen und Naturwissenschaftler:innen.

Weiterführendes Material
Blog des Kolloquiums
Intra-Being: Gestes Spéculatifs – Day 1


 

Gestes spéculatifs
Kolloquium

Centre Culturel International de Cerisy
29. Juni bis 5. Juli 2013
Isabelle Stengers

Didier Debaise

Publikationen:
Gestes spéculatifs, 2016, Presses du réel, Sammelband 

Intra-Being: Gestes Spéculatifs – Blog
performancephilosophy.org

Gestes spéculatifs
praktische Denkbewegungen, die neue Möglichkeiten des Wahrnehmens und Handelns eröffnen.
Für Stengers bedeutet geste ein Tun, das eine Situation verändert.
Ein spekulativer Gestus fragt nicht: „Was ist wahr?“ sondern „Welche Beziehungen und Möglichkeiten werden durch dieses Denken oder Handeln hervorgebracht?“
Das ist ein deutlich pragmatistischer und prozessphilosophischer Ansatz, stark beeinflusst von Alfred North Whitehead.

Der Teilnehmerkreis war bewusst interdisziplinär: Philosoph:innen, Anthropolog:innen, Künstler:innen, Wissenschaftler:innen und Praktiker:innen arbeiteten gemeinsam an der Frage, wie Denken selbst zu einer Praxis werden kann. (Intra-Being). Zu den wiederkehrenden Themen gehörten:

  • Whiteheads Prozessphilosophie
  • Spekulation als Experiment
  • Gaia
  • neue Formen wissenschaftlicher Aufmerksamkeit
  • Geschichten (fabulation)
  • Tiere und Pflanzen als Mitakteure
  • Ökologie der Praktiken
  • Affekte
  • Sorge (care)
  • Verantwortung (response-ability)

Stengers‘ Eröffnungsvortrag
„Ferveur et lucidité – les obligations de l’instauration“
Haraway greift darauf zurück

1. Abstraktionen
– Abstraktionen sind unvermeidlich.
– Die Frage lautet: Welche Abstraktionen helfen uns zu denken und welche machen uns blind?
2. Ornières
– Schlüsselbegriff → Fahrspur, eingefahrene Denkspur.
– Viele Begriffe (z. B. „Fortschritt“, „Natur“, „Anthropozän“) funktionieren als solche Denkspuren.
– Ein spekulativer Gestus versucht, aus diesen eingefahrenen Bahnen herauszutreten.
– Intra-Being: Gestes Spéculatifs – Blog
3. Gaia
– Stengers unterscheidet ausdrücklich zwischen: Anthropozän und Gaia
– „Anthropozän“ beschreibt einen Zustand.
– „Gaia“ hingegen stellt eine Forderung: Wie antworten wir auf die Erde, die uns betrifft?

Haraway erwähnt das Cerisy-Kolloquium mehrfach, weil sie dort mit einem Netzwerk von Autor:innen arbeitete, die ihr Denken stark beeinflussten, darunter:

  • Isabelle Stengers
  • Didier Debaise
  • Vinciane Despret
  • Bruno Latour (inhaltlich eng verbunden, wenn auch nicht durchgehend anwesend)
  • Anna Lowenhaupt Tsing (aus demselben theoretischen Umfeld)

Cerisy als Laboratorium einer neuen Denkweise
Es geht nicht mehr darum, die Welt zu repräsentieren, sondern: Denk- und Erzählweisen zu entwickeln, die neue Beziehungen ermöglichen.

  • speculative fabulation
  • making kin
  • response-ability
  • sympoiesis
  • becoming-with

Geste spéculatif steht letztlich ein Denk- und Handlungsimpuls, der eine andere Weise eröffnet, mit Menschen, Tieren, Pflanzen und Dingen in Beziehung zu treten.
Für das Verständnis von Staying with the Trouble ist Cerisy deshalb weniger eine Tagung als ein gemeinsamer Denkraum, in dem Haraway, Stengers, Despret und andere eine relationale, prozessuale und ökologische Philosophie weiterentwickelten.

Imagining the World of the Camilles
(Haraway 2016: 137–144)
Niemand der Communities of Compost stellt sich vor in eine “empty land” zu ziehen, es “empty land” zu beerben – darauf beruhen kolonialistische Vorstellugen auf “empty land.” Die Children of Compost wissen, dass sie nirgends vorne anfangen können, es geht darum herauszufinden “how to live in the ruins that were still inhabited […], lived by a few simple but transformative practices” (Haraway 2016: 138)

Camille 1–
(Haraway 2016:144–)
[…]

 

weiterführendes Material
angela Snaefellsjökuls rawlings
www.arawlings.is
→ Ausstellung in Reykjavik

 

Audioscoring BarDem

Dorothea Schürch
26. Juni 2025
Im Rahmen von BarDem manifeste BarDem
Espace Ruine, Genève

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Audioscoring BarDem, Dorothea Schürch, 26. Juni 2025, Espace Ruine, Genève (Videostill)

Material:
Audioscore:
BarDem, Live on WFMU’s Miniature Minotaurs, 2011, Part 01 (Ausschnitt)
Bluetooth Lautsprecher
Notizen
Dauer:
8:04

Audio: Vincent Barras, Jacques Demierre (BarDem, Live on WFMU’s Miniature Minotaurs, 2011) | live: Dorothea Schürch

In der Singschule mit BarDem – Lat. [schola]: Musse, Ruhe; wissenschaftliche Beschäftigung während der Mussestunden; – Griech. [échein]: haben, halten, besitzen, zurückhalten usw. – der Wunsch nach einer Lektion, nach Lerngegenstände, die nicht gemeint sein können, nach dem, was keine Schule macht (in Erinnerung an die Performance Teach Me Your Lesson mit Daniel Mouthon (Zwischenräume, Sihlquai, Zürich, 2012). Von Stimmen lernen. Audioscoring BarDem zielt nicht auf analytische Forschung, sondern eine Methode sich Stimmen einzuverleiben. Endlich wieder üben, täglich. Über viele Jahre just didn’t do it anymore, to much learing by reading. Entlernen, unlearning to sing. Mit BarDem die Stimmbänder flattern lassen, tiefe Stimme durch Entspannung, Artikulationsprozesse und Atembögen mit Testosteron, Stimmfarben mit Stimmbruch. Experimentelle Stimmphysiologie.
Der Audioscore dominiert. Der Aufnahme – bis auf wenige Momente – hinterher. Für die Synchronizität fehlt der gemeinsame Auftritt. Synchronizität ist mit Audioscoring nicht haben, der Audioscore kennt keine Anspannung, kein Luftholen, einzig «play!».

Bereits zur Hälfte von Miniature Minotaurs, Part 01 erschöpft sich die Performance. Zu absehbar das Spiel mit der Imitation. Wo bleibt die Eigenständigkeit? Die Stimmen von BarDem aus dem Bluetooth Lautsprecher. Ermüdende, wenn gleich aberwitzige Transformation des Gehörten in den Espace Ruine (!). Hie und da unerwartet perfekt – das hingegen ultimativ performative, doch vergebliche Liebesmüh. Als Performance vollwertig, think! Robert Fillious «bien fait, mal fait, pas fait.»
Stimmarchive vom Play, Stop, Rewind, Forward in die physische Gegenwart holen, von der für jede noch so rauhe Stimme zarten Vibration der Membran der Lautsprecher weg. Reperforming, Redoing, Reenactment. Der Begriff Interpretation greift ins Leere. Was muss für eine Interpretation vorliegen? Vom Audioscore ausgehend gibt es keine Interpretation. Nur nachmachen. Von den Partituren von BarDem schon.
Als Performance im Rahmen von «BarDem manifeste BarDem» ein exemplarisches «manifeste», stimmig. Trotz aller Fragezeichen. Wie weiter? Weiter.

At the Singing School with BarDem – Lat.[schola]: leisure, repose; scholarly activity during hours of leisure; – Greek [echein]: to have, to hold, to possess, to restrain, etc. – the desire for a lesson, for learning materials that cannot be intended, for what no school can teach (in memory of the performance Teach Me Your Lesson with Daniel Mouthon, Zwischenräume, Sihlquai, Zurich, 2012). Learning from voices. Audioscoring BarDem does not aim at analytical research, but at a method of incorporating voices into one’s own body. Finally, practising again, every day. For many years, I just didn’t do it anymore, too much learning through reading. Unlearning, unlearning to sing. With BarDem, letting the vocal cords flutter, a low voice through relaxation, processes of articulation and breath arcs with testosterone, vocal colours with voice break. Experimental vocal physiology.
The audioscore dominates. Following the recording – except for a few moments – always late. The shared performance, the joint appearance, is missing for synchrony. Synchrony is not something one can have through audioscoring; the audioscore knows no tension, no taking a breath, only “play!”
Already halfway through Miniature Minotaurs, Part 01, the performance runs out of steam. The game of imitation becomes too predictable. Where is the autonomy? BarDem’s voices coming from the Bluetooth speaker. An exhausting, yet at the same time absurd, transformation of what is heard into the Espace Ruine (!). Here and there, unexpectedly perfect – an ultimately performative, yet futile labour of love. As a performance, fully realised: think! Robert Filliou’s “bien fait, mal fait, pas fait.”
Bringing voice archives out of play, stop, rewind, forward and into the physical present, away from the delicate vibration of the speaker membrane, which persists even with the roughest of voices.
Reperforming, redoing, reenactment. The term interpretation falls short. What needs to be in place for there to be an interpretation? Starting from the audioscore, there is no interpretation. Only imitation. With BarDem’s scores, there is.

As a performance within the framework of BarDem manifeste BarDem, an exemplary manifeste, coherent. Despite all the question marks. How to continue? Continue.

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Audioscoring BarDem, Dorothea Schürch, 26. Juni 2025, Espace Ruine, rue des Vollandes 15, Genf
(Clip: 2:05)

siehe auch/ see:
264 Log 261002 Audioscoring BarDem Kommentar
deutsch und englisch

BarDem manifeste BarDem
La pratique de BarDem, duo composé de Vincent Barras et Jacques Demierre, se fonde sur le son, la parole, le langage, éléments constitutifs de sa poétique, multilingue, performée, explorant la voix projetée et sa spatialisation.
Une part importante de l’activité de BarDem consiste en la poursuite de collaborations, où le duo entre en résonance avec d’autres performeur·euse·s, poètes, créateur·trice·s sonores, collectifs de musique ou d’arts vivants : tou·te·s ont comme point commun de travailler, chacun·e à leur manière, sur le langage et sa matérialité, la parole projetée ; à leur tour, ils·elles s’aventurent à interroger, pirater, interpréter, traduire, répercuter, dilater le travail de BarDem. Les différentes productions qui en ont résulté, jusqu’ici inédites, sont rassemblées dans le coffret Bar & Dem &, qui associe BarDem et des artistes d’horizons divers : compositeurs se saisissant de l’œuvre du duo pour une nouvelle création (Adrien Kessler, Jacques Demierre) ; performeurs se joignant à ce dernier en ajoutant leur propre pratique oratoire (Chris Mann ; Kurt Gottschalk) ; chœur composé de communautés parlantes de langues différentes interprétant en traduction live un poème de BarDem (The Alhambra Choir); quatuor d’interprètes interagissant en simultané avec les deux performeurs (El Cuarteto de Buenos Aires) ; ingénieur du son créant des dispositifs sonores spécifiques pour la diffusion de créations de BarDem (Thierry Simonot) ; auteur·trice·s et poètes sonores de l’avant-garde historique visité·e·s par BarDem (Source: BarDem manifest BarDem, Flyer)

254 260114 Abschluss-Symposium
Schreiben mit Stimmen

9.
–10. Januar 2026
Zur Wechselwirkung zwischen symbolischen und technischen Verschriftlichungspraxen in der Musik

Michael Harenberg (Leitung)
Mathieu Corajod (Doktorand)
Dorothea Schürch (Post-Doc)

Institut Interpretation, HKB, Bern
Gefördert durch den Schweizerischen Nationalfond, Abt. I
Laufzeit Februar 2022– Januar 2026

Programm

Schreiben mit Stimmen Eine Standortbeschreibung und Ausblick

Veranstaltung am Freitag, 9. Januar 2026
19:30, Papiermühlestrasse 13d, Multifunktionsraum

Zum Ende des vierjährigen SNF geförderten Forschungsprojektes „Schreiben mit Stimmen“ geben wir in dieser Veranstaltung einen Überblick über den Verlauf und die Ergebnisse der drei bearbeiteten Teilprojekte.
Ausgangspunkt des Forschungsprojekts sind vernachlässigte Aspekte der Komposition mit bzw. für Stimmen in technischen und aussermusikalischen kompositorischen Gestaltungsprozessen. Diese Fragestellungen wurden zunächst anhand der Praxis des Schweizer Komponisten Hans Wüthrich (1937–2019) sowie der (Ultra-)Lettristen im Paris der Nachkriegszeit entwickelt und im weiteren Verlauf des Projekts auf unterschiedliche internationale Kontexte und Praktiken der Stimmenkomposition ausgeweitet, sowie im Zusammenhang mit körperlosen, synthetischen Stimmen, die im Verlauf des Projekts zu einem Alltagsphänomen geworden sind. 
Wie wir zeigen werden, erweitern konzeptionelle als auch technische Schreibprozesse mit und für die Stimme Entstehungsprozesse sowohl im Werk Hans Wüthrichs als auch die medialen Zugänge der Ultra-Lettristen und weiterführender Praktiken der Tonbandkomposition. Selbst da, wo eine Partitur im herkömmlichen Sinne existiert, wird mit der Stimme improvisiert, wird Stimmmaterial durch aussermusikalische Praktiken oder technische Medien, wie das Tonband, vorgebildet. «Schreiben mit Stimmen» fragt nach Kompositionsstrategien und Ästhetiken zeitgenössischer Musik, wie sie sich in diesen gesellschaftlichen und technologischen Bezügen präsentieren. Fokussiert werden vor allem kompositorische Strategien, die in Konkurrenz zur traditionellen Notenschrift stehen, da sie sich sowohl an der aufgezeichneten Stimme als auch an ihren aussermusikalischen Referenzsystemen orientieren.
Neben vielen Hörbeispielen zu den genannten Themenbereichen, werden Studierende im Rahmen der Veranstaltung Werke von Hans Wüthrich und der Lettristen live interpretieren.

 

 

247 Log 250903
In Conversation with Tomomi Adachi

29 September, 2025, Kanazawa

Tomomi Adachi
born in 1972 in Kanagawa is a Japanese composer, performer, voice artist, and instrument builder known for his experimental approach to sound and performance. His work spans extended vocal techniques, sound poetry, live electronics, and the construction of original electronic instruments and sensor-based devices. Adachi frequently collaborates across disciplines, creating works that merge music, technology, theatre, and media art. He has performed internationally, composed for ensembles and multimedia settings, and served as a guest artist and lecturer in Europe, the United States, and Asia. His practice often explores the intersections of notation and improvisation, body and technology, and voice and electronics.

Abstract
This text proposes a critical re-reading of Japanese sound poetry through the intersecting lenses of voice, tape, and technological mediation. Drawing on archival research, historical reconstruction, and an extended interview with Tomomi Adachi, the text traces episodic constellations of practice – from prewar futurist phonetic experiments associated with MAVO, through postwar figures such as Suzuki Shiroyasu and Niikuni Seiichi, to Fluxus-related sound and media art.
Central to the argument is the role of recording technologies – wire recorders, magnetic tape, radio studios, and later digital systems – not merely as tools of documentation but as epistemic frameworks that reshape vocal articulation, authorship, and performativity. The essay situates Japanese sound poetry at the threshold between literature, music, and performance, emphasizing non-semantic vocality, corporeal articulation, and the instability of notation. The text frames Adachi’s contemporary practices like live electronics, DIY instruments, 3D textual objects, and AI-generated voices, as a continuation of these concerns, in which voice emerges as both bodily event and technological artifact. Rather than positioning Japanese sound poetry as a derivative counterpart to European models, the essay argues for its constitutive role within a transnational history of vocal and media-based experimentation.

Interview with Tomomi Adachi.pdf

Adachi Tomomi’s personal website [accessed 13.12.2025]

238 Log 250807 In Conversation with Toshie Kakinuma:
Jōji Yuasa, Takemitsu Tōru and Japanese Musique Concrète

September 16, 2025, Kunitachi Library, Tokyo

Toshie Kakinuma
Born in Shizuoka prefecture, Japan, Toshie Kakinuma is a distinguished musicologist, critic, and translator whose work centers on experimental and vocal music of the 20th and 21st centuries. She received her Bachelor of Music in Musicology from Kunitachi College of Music in 1977 and went on to complete her Master’s degree at Ochanomizu University in 1981. Pursuing further research abroad, she earned her Ph.D. in Music from the University of California, San Diego in 1989, where her doctoral studies focused on the American composer and instrument maker Harry Partch. Upon her return to Japan, Kakinuma held teaching positions at several institutions, including Meiji Gakuin University and Takushoku University, before joining the faculty of Kyoto City University of Arts as Professor of Musicology. At Kyoto, she also served as Director of the Archival Research Center, contributing significantly to the development of resources on contemporary Japanese and American music. Her scholarly interests encompass American experimentalism, modern Japanese composition, organology, and the intersections of sound, language, and the body. Kakinuma is the author of American Experimental Music as Ethnic Music (Film Art Sha, 2005) and The Birth of “Atonality” (Ongaku-no-tomo Sha, 2020, The 30th Yoshida Hidekazu Prize), has written extensively on figures such as Yūji Yuasa, Tōru Takemitsu, and Lou Harrison. In addition to her critical and scholarly output, she has produced influential Japanese translations of key 20th-century music texts, including John Cage’s Silence and Alex Ross’s The Rest Is Noise. When she wrote her essay “Yūji Yuasa and the Apparatus Called Language” (Ongaku Geijutsu, October 1984), Kakinuma was an emerging voice in Japan’s critical and academic circles, closely engaged with the evolving aesthetics of postwar vocal and electronic music.

In conversation with Toshie Kakinuma.pdf

Abstract
The conversation with musicologist and critic Toshie Kakinuma focuses on the vocal and electroacoustic works of Jōji Yuasa and Tōru Takemitsu, which she interprets as distinct Japanese articulations of musique concrète. Kakinuma situates these practices in dialogue with the European avant-garde – particularly Pierre Schaeffer, Luciano Berio, and Karlheinz Stockhausen – while emphasizing a critical divergence. Whereas Schaeffer’s concept of the objet sonore relies on analytical reduction and the suspension of linguistic meaning, Yuasa and Takemitsu pursue an approach that repositions the voice in a pre-semantic, corporeal register. The interview further addresses Kakinuma’s research on Takemitsu’s Vocal Trilogy, characterizing his engagement with musique concrète as explicitly anti-analytical. In contrast to European phonematic decomposition, Takemitsu conceives the voice as a bodily, everyday, and pre-aesthetic event, foregrounding experiential immediacy over structural abstraction.

Toshie Kakinuma:
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part I
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part II
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part III

238 Log 250807 Toshie Kakinuma:
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part I

Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part I

Abstract Part I
Toshie Kakinuma’s essay “Jōji Yuasa and the Apparatus Called Language” analyzes the Japanese composer Jōji Yuasa’s 1969 tape piece Voices Coming as a radical experiment in the relationship between sound, language, and communication. Kakinuma situates the work within the postwar avant-garde tradition of deconstructing words and meaning – alongside Boulez, Berio, and Stockhausen – yet argues that Yuasa’s approach is distinct in its phenomenological rigor. Rather than mixing speech with electronic or musical sounds, Yuasa confines himself to unaltered recorded voices, exposing the hidden musicality of ordinary speech. By isolating interjections, conjunctions, and conversational fillers from everyday dialogue, Voices Coming strips language of semantic function and re-presents it as temporal and formal sound material. Through this process, habitual speech becomes defamiliarized: language, usually transparent and functional, regains perceptible form and duration. Kakinuma interprets this transformation as a double act – emptying everyday meaning while enriching non-everyday significance – and as a key moment in Yuasa’s broader search for a synthesis of poetic and musical temporality. The essay concludes that Yuasa’s work transcends the conventional boundaries of `music` and `vocal composition`, revealing how the human voice mediates between sound, meaning, and the possibility (or impossibility) of communication.

Toshie Kakinuma
Born in Shizuoka prefecture, Japan, Toshie Kakinuma is a distinguished musicologist, critic, and translator whose work centers on experimental and vocal music of the 20th and 21st centuries. She received her Bachelor of Music in Musicology from Kunitachi College of Music in 1977 and went on to complete her Master’s degree at Ochanomizu University in 1981. Pursuing further research abroad, she earned her Ph.D. in Music from the University of California, San Diego in 1989, where her doctoral studies focused on the American composer and instrument maker Harry Partch. Upon her return to Japan, Kakinuma held teaching positions at several institutions, including Meiji Gakuin University and Takushoku University, before joining the faculty of Kyoto City University of Arts as Professor of Musicology. At Kyoto, she also served as Director of the Archival Research Center, contributing significantly to the development of resources on contemporary Japanese and American music. Her scholarly interests encompass American experimentalism, modern Japanese composition, organology, and the intersections of sound, language, and the body. Kakinuma is the author of American Experimental Music as Ethnic Music (Film Art Sha, 2005) and The Birth of “Atonality” (Ongaku-no-tomo Sha, 2020, The 30th Yoshida Hidekazu Prize), has written extensively on figures such as Yūji Yuasa, Tōru Takemitsu, and Lou Harrison. In addition to her critical and scholarly output, she has produced influential Japanese translations of key 20th-century music texts, including John Cage’s Silence and Alex Ross’s The Rest Is Noise. When she wrote her essay “Yūji Yuasa and the Apparatus Called Language” (Ongaku Geijutsu, October 1984), Kakinuma was an emerging voice in Japan’s critical and academic circles, closely engaged with the evolving aesthetics of postwar vocal and electronic music.

Jōji Yuasa (1929–2024)
was a Japanese composer and one of the pioneers of postwar Japanese avant-garde music. He studied composition in Japan and Europe and was influenced by Western modernist trends (like Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Karl-Heinz Stockhausen). He was known for his experimental, combining Western avant-garde techniques with Japanese aesthetics. He worked extensively with serialism, electronic music, and open-form composition.
Yuasa’s Work with the voice was an exploration of vocal timbre. He was interested in the human voice as a sound source, not just as a carrier of text or traditional melody. He often treated the voice like an instrument, exploring extended techniques (whispering, shouting, overtones, glissandi), integrating it in Musique Concrète and Electronic Music, experimenting with tape manipulation of the voice, cutting, layering, and processing vocal sounds to create textures and sonic landscapes. The voice became material for composition, abstracted from semantic content. He composed pieces for solo voice, mixed ensembles, and electronic setups. Vocal performances were often experimental, and performers had to explore unconventional sounds and interactions with electronics or tape. Like Tōru Takemitsu, Yuasa was interested in the “sound itself”, focusing on timbre, gesture, and expressive potential of the voice. The voice could evoke natural or bodily phenomena or serve as an abstract sonic object in avant-garde composition.
Jōji Yuasa is a central figure in postwar Japanese experimental music who treated the human voice as an instrument and sonic material, exploring both acoustic possibilities and electronic transformation. His work aligns with broader trends in Japanese musique concrète, emphasizing sound over meaning.

further reading:
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part II
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part III

238 Log 250807 Toshie Kakinuma:
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part II

Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part II

Abstract Part II
Part II explores how Yuasa’s groundbreaking composition Voices Coming redefined the relationship between voice, sound, and meaning.
Yuasa used recorded human speech rather than newly produced sounds, emphasizing how voice inherently carries meaning. Through fragmentation and editing, he suspended meaning and broke down normal communication, turning language itself into musical material. Dismantling question–answer structures and expose the emptiness of habitual speech. Kakinuma compares Yuasa’s approach to Luciano Berio and John Cage, highlighting Yuasa’s distinct focus on the phenomenology of language. Over time, Yuasa expanded these ideas into live and instrumental works, maintaining speech-like rhythms even without actual words. The essay concludes that Voices Coming forms the philosophical and artistic foundation of Yuasa’s career, revealing how fragile and yet vital communication is in the modern world.

Toshie Kakinuma
Born in Shizuoka prefecture, Japan, Toshie Kakinuma is a distinguished musicologist, critic, and translator whose work centers on experimental and vocal music of the 20th and 21st centuries. She received her Bachelor of Music in Musicology from Kunitachi College of Music in 1977 and went on to complete her Master’s degree at Ochanomizu University in 1981. Pursuing further research abroad, she earned her Ph.D. in Music from the University of California, San Diego in 1989, where her doctoral studies focused on the American composer and instrument maker Harry Partch. Upon her return to Japan, Kakinuma held teaching positions at several institutions, including Meiji Gakuin University and Takushoku University, before joining the faculty of Kyoto City University of Arts as Professor of Musicology. At Kyoto, she also served as Director of the Archival Research Center, contributing significantly to the development of resources on contemporary Japanese and American music. Her scholarly interests encompass American experimentalism, modern Japanese composition, organology, and the intersections of sound, language, and the body. Kakinuma is the author of American Experimental Music as Ethnic Music (Film Art Sha, 2005) and The Birth of “Atonality” (Ongaku-no-tomo Sha, 2020, The 30th Yoshida Hidekazu Prize), has written extensively on figures such as Yūji Yuasa, Tōru Takemitsu, and Lou Harrison. In addition to her critical and scholarly output, she has produced influential Japanese translations of key 20th-century music texts, including John Cage’s Silence and Alex Ross’s The Rest Is Noise. When she wrote her essay “Yūji Yuasa and the Apparatus Called Language” (Ongaku Geijutsu, October 1984), Kakinuma was an emerging voice in Japan’s critical and academic circles, closely engaged with the evolving aesthetics of postwar vocal and electronic music.

Jōji Yuasa (1929–2024)
was a Japanese composer and one of the pioneers of postwar Japanese avant-garde music. He studied composition in Japan and Europe and was influenced by Western modernist trends (like Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Karl-Heinz Stockhausen). He was known for his experimental, combining Western avant-garde techniques with Japanese aesthetics. He worked extensively with serialism, electronic music, and open-form composition.
Yuasa’s Work with the voice was an exploration of vocal timbre. He was interested in the human voice as a sound source, not just as a carrier of text or traditional melody. He often treated the voice like an instrument, exploring extended techniques (whispering, shouting, overtones, glissandi), integrating it in Musique Concrète and Electronic Music, experimenting with tape manipulation of the voice, cutting, layering, and processing vocal sounds to create textures and sonic landscapes. The voice became material for composition, abstracted from semantic content. He composed pieces for solo voice, mixed ensembles, and electronic setups. Vocal performances were often experimental, and performers had to explore unconventional sounds and interactions with electronics or tape. Like Tōru Takemitsu, Yuasa was interested in the “sound itself”, focusing on timbre, gesture, and expressive potential of the voice. The voice could evoke natural or bodily phenomena or serve as an abstract sonic object in avant-garde composition.
Jōji Yuasa is a central figure in postwar Japanese experimental music who treated the human voice as an instrument and sonic material, exploring both acoustic possibilities and electronic transformation. His work aligns with broader trends in Japanese musique concrète, emphasizing sound over meaning.

further reading:
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part I
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part III