238 Log 250807 In Conversation with Toshie Kakinuma:
Jōji Yuasa, Takemitsu Tōru and Japanese Musique Concrète

September 16, 2025, Kunitachi Library, Tokyo

Toshie Kakinuma
Born in Shizuoka prefecture, Japan, Toshie Kakinuma is a distinguished musicologist, critic, and translator whose work centers on experimental and vocal music of the 20th and 21st centuries. She received her Bachelor of Music in Musicology from Kunitachi College of Music in 1977 and went on to complete her Master’s degree at Ochanomizu University in 1981. Pursuing further research abroad, she earned her Ph.D. in Music from the University of California, San Diego in 1989, where her doctoral studies focused on the American composer and instrument maker Harry Partch. Upon her return to Japan, Kakinuma held teaching positions at several institutions, including Meiji Gakuin University and Takushoku University, before joining the faculty of Kyoto City University of Arts as Professor of Musicology. At Kyoto, she also served as Director of the Archival Research Center, contributing significantly to the development of resources on contemporary Japanese and American music. Her scholarly interests encompass American experimentalism, modern Japanese composition, organology, and the intersections of sound, language, and the body. Kakinuma is the author of American Experimental Music as Ethnic Music (Film Art Sha, 2005) and The Birth of “Atonality” (Ongaku-no-tomo Sha, 2020, The 30th Yoshida Hidekazu Prize), has written extensively on figures such as Yūji Yuasa, Tōru Takemitsu, and Lou Harrison. In addition to her critical and scholarly output, she has produced influential Japanese translations of key 20th-century music texts, including John Cage’s Silence and Alex Ross’s The Rest Is Noise. When she wrote her essay “Yūji Yuasa and the Apparatus Called Language” (Ongaku Geijutsu, October 1984), Kakinuma was an emerging voice in Japan’s critical and academic circles, closely engaged with the evolving aesthetics of postwar vocal and electronic music.

In conversation with Toshie Kakinuma.pdf

Abstract
The conversation with musicologist and critic Toshie Kakinuma focuses on the vocal and electroacoustic works of Jōji Yuasa and Tōru Takemitsu, which she interprets as distinct Japanese articulations of musique concrète. Kakinuma situates these practices in dialogue with the European avant-garde – particularly Pierre Schaeffer, Luciano Berio, and Karlheinz Stockhausen – while emphasizing a critical divergence. Whereas Schaeffer’s concept of the objet sonore relies on analytical reduction and the suspension of linguistic meaning, Yuasa and Takemitsu pursue an approach that repositions the voice in a pre-semantic, corporeal register. The interview further addresses Kakinuma’s research on Takemitsu’s Vocal Trilogy, characterizing his engagement with musique concrète as explicitly anti-analytical. In contrast to European phonematic decomposition, Takemitsu conceives the voice as a bodily, everyday, and pre-aesthetic event, foregrounding experiential immediacy over structural abstraction.

Toshie Kakinuma:
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part I
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part II
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part III

238 Log 250807 Toshie Kakinuma:
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part I

Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part I

Abstract Part I
Toshie Kakinuma’s essay “Jōji Yuasa and the Apparatus Called Language” analyzes the Japanese composer Jōji Yuasa’s 1969 tape piece Voices Coming as a radical experiment in the relationship between sound, language, and communication. Kakinuma situates the work within the postwar avant-garde tradition of deconstructing words and meaning – alongside Boulez, Berio, and Stockhausen – yet argues that Yuasa’s approach is distinct in its phenomenological rigor. Rather than mixing speech with electronic or musical sounds, Yuasa confines himself to unaltered recorded voices, exposing the hidden musicality of ordinary speech. By isolating interjections, conjunctions, and conversational fillers from everyday dialogue, Voices Coming strips language of semantic function and re-presents it as temporal and formal sound material. Through this process, habitual speech becomes defamiliarized: language, usually transparent and functional, regains perceptible form and duration. Kakinuma interprets this transformation as a double act – emptying everyday meaning while enriching non-everyday significance – and as a key moment in Yuasa’s broader search for a synthesis of poetic and musical temporality. The essay concludes that Yuasa’s work transcends the conventional boundaries of `music` and `vocal composition`, revealing how the human voice mediates between sound, meaning, and the possibility (or impossibility) of communication.

Toshie Kakinuma
Born in Shizuoka prefecture, Japan, Toshie Kakinuma is a distinguished musicologist, critic, and translator whose work centers on experimental and vocal music of the 20th and 21st centuries. She received her Bachelor of Music in Musicology from Kunitachi College of Music in 1977 and went on to complete her Master’s degree at Ochanomizu University in 1981. Pursuing further research abroad, she earned her Ph.D. in Music from the University of California, San Diego in 1989, where her doctoral studies focused on the American composer and instrument maker Harry Partch. Upon her return to Japan, Kakinuma held teaching positions at several institutions, including Meiji Gakuin University and Takushoku University, before joining the faculty of Kyoto City University of Arts as Professor of Musicology. At Kyoto, she also served as Director of the Archival Research Center, contributing significantly to the development of resources on contemporary Japanese and American music. Her scholarly interests encompass American experimentalism, modern Japanese composition, organology, and the intersections of sound, language, and the body. Kakinuma is the author of American Experimental Music as Ethnic Music (Film Art Sha, 2005) and The Birth of “Atonality” (Ongaku-no-tomo Sha, 2020, The 30th Yoshida Hidekazu Prize), has written extensively on figures such as Yūji Yuasa, Tōru Takemitsu, and Lou Harrison. In addition to her critical and scholarly output, she has produced influential Japanese translations of key 20th-century music texts, including John Cage’s Silence and Alex Ross’s The Rest Is Noise. When she wrote her essay “Yūji Yuasa and the Apparatus Called Language” (Ongaku Geijutsu, October 1984), Kakinuma was an emerging voice in Japan’s critical and academic circles, closely engaged with the evolving aesthetics of postwar vocal and electronic music.

Jōji Yuasa (1929–2024)
was a Japanese composer and one of the pioneers of postwar Japanese avant-garde music. He studied composition in Japan and Europe and was influenced by Western modernist trends (like Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Karl-Heinz Stockhausen). He was known for his experimental, combining Western avant-garde techniques with Japanese aesthetics. He worked extensively with serialism, electronic music, and open-form composition.
Yuasa’s Work with the voice was an exploration of vocal timbre. He was interested in the human voice as a sound source, not just as a carrier of text or traditional melody. He often treated the voice like an instrument, exploring extended techniques (whispering, shouting, overtones, glissandi), integrating it in Musique Concrète and Electronic Music, experimenting with tape manipulation of the voice, cutting, layering, and processing vocal sounds to create textures and sonic landscapes. The voice became material for composition, abstracted from semantic content. He composed pieces for solo voice, mixed ensembles, and electronic setups. Vocal performances were often experimental, and performers had to explore unconventional sounds and interactions with electronics or tape. Like Tōru Takemitsu, Yuasa was interested in the “sound itself”, focusing on timbre, gesture, and expressive potential of the voice. The voice could evoke natural or bodily phenomena or serve as an abstract sonic object in avant-garde composition.
Jōji Yuasa is a central figure in postwar Japanese experimental music who treated the human voice as an instrument and sonic material, exploring both acoustic possibilities and electronic transformation. His work aligns with broader trends in Japanese musique concrète, emphasizing sound over meaning.

further reading:
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part II
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part III

238 Log 250807 Toshie Kakinuma:
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part II

Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part II

Abstract Part II
Part II explores how Yuasa’s groundbreaking composition Voices Coming redefined the relationship between voice, sound, and meaning.
Yuasa used recorded human speech rather than newly produced sounds, emphasizing how voice inherently carries meaning. Through fragmentation and editing, he suspended meaning and broke down normal communication, turning language itself into musical material. Dismantling question–answer structures and expose the emptiness of habitual speech. Kakinuma compares Yuasa’s approach to Luciano Berio and John Cage, highlighting Yuasa’s distinct focus on the phenomenology of language. Over time, Yuasa expanded these ideas into live and instrumental works, maintaining speech-like rhythms even without actual words. The essay concludes that Voices Coming forms the philosophical and artistic foundation of Yuasa’s career, revealing how fragile and yet vital communication is in the modern world.

Toshie Kakinuma
Born in Shizuoka prefecture, Japan, Toshie Kakinuma is a distinguished musicologist, critic, and translator whose work centers on experimental and vocal music of the 20th and 21st centuries. She received her Bachelor of Music in Musicology from Kunitachi College of Music in 1977 and went on to complete her Master’s degree at Ochanomizu University in 1981. Pursuing further research abroad, she earned her Ph.D. in Music from the University of California, San Diego in 1989, where her doctoral studies focused on the American composer and instrument maker Harry Partch. Upon her return to Japan, Kakinuma held teaching positions at several institutions, including Meiji Gakuin University and Takushoku University, before joining the faculty of Kyoto City University of Arts as Professor of Musicology. At Kyoto, she also served as Director of the Archival Research Center, contributing significantly to the development of resources on contemporary Japanese and American music. Her scholarly interests encompass American experimentalism, modern Japanese composition, organology, and the intersections of sound, language, and the body. Kakinuma is the author of American Experimental Music as Ethnic Music (Film Art Sha, 2005) and The Birth of “Atonality” (Ongaku-no-tomo Sha, 2020, The 30th Yoshida Hidekazu Prize), has written extensively on figures such as Yūji Yuasa, Tōru Takemitsu, and Lou Harrison. In addition to her critical and scholarly output, she has produced influential Japanese translations of key 20th-century music texts, including John Cage’s Silence and Alex Ross’s The Rest Is Noise. When she wrote her essay “Yūji Yuasa and the Apparatus Called Language” (Ongaku Geijutsu, October 1984), Kakinuma was an emerging voice in Japan’s critical and academic circles, closely engaged with the evolving aesthetics of postwar vocal and electronic music.

Jōji Yuasa (1929–2024)
was a Japanese composer and one of the pioneers of postwar Japanese avant-garde music. He studied composition in Japan and Europe and was influenced by Western modernist trends (like Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Karl-Heinz Stockhausen). He was known for his experimental, combining Western avant-garde techniques with Japanese aesthetics. He worked extensively with serialism, electronic music, and open-form composition.
Yuasa’s Work with the voice was an exploration of vocal timbre. He was interested in the human voice as a sound source, not just as a carrier of text or traditional melody. He often treated the voice like an instrument, exploring extended techniques (whispering, shouting, overtones, glissandi), integrating it in Musique Concrète and Electronic Music, experimenting with tape manipulation of the voice, cutting, layering, and processing vocal sounds to create textures and sonic landscapes. The voice became material for composition, abstracted from semantic content. He composed pieces for solo voice, mixed ensembles, and electronic setups. Vocal performances were often experimental, and performers had to explore unconventional sounds and interactions with electronics or tape. Like Tōru Takemitsu, Yuasa was interested in the “sound itself”, focusing on timbre, gesture, and expressive potential of the voice. The voice could evoke natural or bodily phenomena or serve as an abstract sonic object in avant-garde composition.
Jōji Yuasa is a central figure in postwar Japanese experimental music who treated the human voice as an instrument and sonic material, exploring both acoustic possibilities and electronic transformation. His work aligns with broader trends in Japanese musique concrète, emphasizing sound over meaning.

further reading:
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part I
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part III

238 Log 250807 Toshie Kakinuma:
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part III

Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part III

Abstract Part III
The final part of Toshie Kakinuma’s “Yūji Yuasa and the Apparatus Called Language” examines Yuasa’s later vocal works – Projection on Bashō’s Haiku (1974), Projection on Onomatopoeia (1979), and Etude for “The” (1983). Kakinuma shows how Yuasa’s exploration of sound and meaning evolves into a deep engagement with the Japanese language itself: its phonetic energy, gestural character, and cultural resonance. Through these works, Yuasa transforms language into a field of play between voice and self, communication and noncommunication. His music thus reveals the voice as an apparatus mediating between individuality, collectivity, and the poetic essence of Japanese sound.

Toshie Kakinuma
Born in Shizuoka prefecture, Japan, Toshie Kakinuma is a distinguished musicologist, critic, and translator whose work centers on experimental and vocal music of the 20th and 21st centuries. She received her Bachelor of Music in Musicology from Kunitachi College of Music in 1977 and went on to complete her Master’s degree at Ochanomizu University in 1981. Pursuing further research abroad, she earned her Ph.D. in Music from the University of California, San Diego in 1989, where her doctoral studies focused on the American composer and instrument maker Harry Partch. Upon her return to Japan, Kakinuma held teaching positions at several institutions, including Meiji Gakuin University and Takushoku University, before joining the faculty of Kyoto City University of Arts as Professor of Musicology. At Kyoto, she also served as Director of the Archival Research Center, contributing significantly to the development of resources on contemporary Japanese and American music. Her scholarly interests encompass American experimentalism, modern Japanese composition, organology, and the intersections of sound, language, and the body. Kakinuma is the author of American Experimental Music as Ethnic Music (Film Art Sha, 2005) and The Birth of “Atonality” (Ongaku-no-tomo Sha, 2020, The 30th Yoshida Hidekazu Prize), has written extensively on figures such as Yūji Yuasa, Tōru Takemitsu, and Lou Harrison. In addition to her critical and scholarly output, she has produced influential Japanese translations of key 20th-century music texts, including John Cage’s Silence and Alex Ross’s The Rest Is Noise. When she wrote her essay “Yūji Yuasa and the Apparatus Called Language” (Ongaku Geijutsu, October 1984), Kakinuma was an emerging voice in Japan’s critical and academic circles, closely engaged with the evolving aesthetics of postwar vocal and electronic music.

Jōji Yuasa (1929–2024)
was a Japanese composer and one of the pioneers of postwar Japanese avant-garde music. He studied composition in Japan and Europe and was influenced by Western modernist trends (like Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Karl-Heinz Stockhausen). He was known for his experimental, combining Western avant-garde techniques with Japanese aesthetics. He worked extensively with serialism, electronic music, and open-form composition.
Yuasa’s Work with the voice was an exploration of vocal timbre. He was interested in the human voice as a sound source, not just as a carrier of text or traditional melody. He often treated the voice like an instrument, exploring extended techniques (whispering, shouting, overtones, glissandi), integrating it in Musique Concrète and Electronic Music, experimenting with tape manipulation of the voice, cutting, layering, and processing vocal sounds to create textures and sonic landscapes. The voice became material for composition, abstracted from semantic content. He composed pieces for solo voice, mixed ensembles, and electronic setups. Vocal performances were often experimental, and performers had to explore unconventional sounds and interactions with electronics or tape. Like Tōru Takemitsu, Yuasa was interested in the “sound itself”, focusing on timbre, gesture, and expressive potential of the voice. The voice could evoke natural or bodily phenomena or serve as an abstract sonic object in avant-garde composition.
Jōji Yuasa is a central figure in postwar Japanese experimental music who treated the human voice as an instrument and sonic material, exploring both acoustic possibilities and electronic transformation. His work aligns with broader trends in Japanese musique concrète, emphasizing sound over meaning.

further reading:
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part I
Joji Yuasa and the Apparatus Called Language_Part II

222 Log In Conversation with Ian Stonehouse on Lily Greenham: Stranger in a Strange Land – Lingual music, Radiophonic Art, voice performance and conceptual art

Ian Stonehouse, British artist, educator, and researcher and experimental Music Archivist and former Head of the Electronic Music Studios (2004–2017) at the Department of Music, Goldsmiths, University of London, where he has taught since 1999. Trained in Fine Art at the University of Wolverhampton, he previously worked at London Electronic Arts (later the Lux Centre), collaborating with artists including Jane & Louise Wilson and Gillian Wearing. Since 2004, he has directed the EMS, focusing on electroacoustic composition, sound design, and media arts.

In Conversation with Ian Stonhouse.pdf

Abstract
This conversation with Ian Stonehouse (Head of EMS, Goldsmiths) explores the legacy of Lily Greenham (1924–2001), a pioneering sound poet, composer, and visual artist. It focuses on her invention of lingual music – a voice-based sound art form – and her collaborations with the BBC Radiophonic Workshop, notably the award-winning piece Relativity (1974). Stonehouse highlights Greenham’s multilingual performances, her technical mastery of tape editing, and her later shift toward electroacoustic composition in works such as Polar Polaris and Borges. The discussion also addresses her wide network of collaborators, challenges in archival preservation, and her lasting influence as an interdisciplinary artist who fused poetry, performance, and studio innovation.

More informations:
Ian Stonehouse’ article about Greenham on Wikipedia:
Lily_Greenham (Wikipedia) [accessed 29.12.2025]
Lily Greenham Archive [accessed 29.12.2025]
Badischer Kunstverein: Lily Greenham: Art of Living [accessed 29.12.2025]
Biography Ian Stonehouse [accessed 29.7.2025]

219 Log 250221 Score-Denken

Workshop «Diffraction Works – Score Workings»
by OOR Saloon in collaboration with Irene Revell
Sunday 2.3.2025 at Walcheturm Zürich

«Diffraction Works – Score Workings»
Ausschreibungstext:
The event focuses on cosmologies of non-separability, attentive and situated listening, joint improvisation, reading and discussion. The format thinks itself diffractive with and through the scores as relational propositions for embodied political negotiations, as temporally non-linear possibilities of gathering otherwise.

Diffraction Works – Score Workings_1
Diffraction Works – Score Workings_2
Diffraction Works – Score Workings_4
Diffraction Works – Score Workings_5
Diffraction Works – Score Workings_5b
Diffraction Works – Score Workings_6
Diffraction Works – Score Workings_7
Diffraction Works – Score Workings_8
Diffraction Works – Score Workings_9
Diffraction Works – Score Workings_10
Diffraction Works – Score Workings_11
Diffraction Works – Score Workings_13
Diffraction Works – Score Workings_14
Diffraction Works – Score Workings_15
Diffraction Works – Score Workings_16
previous arrow
next arrow

Irene Revell
Her recent focus has been on the curatorial challenges posed by text instruction scores and related live ephemera, developing the workshop as a curatorial format amidst the wider notion of the embodied curator. She is interested in the development of such curatorial formats that may be iterative, extra-institutional, and of modest scale in terms of labour and other resources, she continues to research the use of text instruction in contemporary practices.
(zit n. Royal College of Art: Irene Revell und OOR Workshop)
weiterführende Links:
Her Noise Archive
Preemtive Listening

Alison Knowles und Annea Lockwood:
Score-Magazin-Projekt «Womens Work» (1975-8)
In 2019 with Primary Information Irene Revell republished Womens Work (eds. Alison Knowles & Annea Lockwood, 1975-8)
Irene Revell und Sarah Shin: Bodies of Sound: Becoming a Feminist Ear (Silver  Press, 2024)


Ausschreibung (Auszug)
How to hold attention collectively for a tiny moment in space-time?
Wie können wir gemeinsame Aufmerksamkeit für winzige Momente bündeln?
Score als temporäre Vereinbarung
niemals eine Einigung, sondern eine Einladung
Schmerz, Unbehagen, Unsicherheit, Missverständnisse werden angesprochen bevor sie auftauchen
ein vereinbarter gemeinsamer Erfahrungsraum

«Score-Denken»
politischen Ästhetik des Textscores
queer-feministisches und dekoloniales Zuhören
Behindertengerechtigkeit und erweiterte Formen der Praxis
Bsp: spekulative feministische Geschichten der Performance-Partitur
Textinstruktions-Arbeiten, vgl. Pauline Oliveros in den frühen 1970er Jahren
Form(en) von Text Scores und ihre Geschichtlichkeit stehen im Vordergrund


250303
Zusammenfassung und weiterführende Kommentare

situatives Hören ←→ analytisches Hören
Vgl. Recorder (Oliveros)
das Mikrophon (die Aufzeichnung) fokussiert nicht
während unser Hören störende Geräusche ausblendet (zB Flugzeuggeräusche)
weghören/wegschneiden/filtern

Musik
Diffraction: es geht nicht um Musik, sondern um geteilte Aufmerksamkeit für WINZIGE Momente
Partitur reduziert auf das Wesentliche
Video/Tape zeichnen ALLES auf
Fokus – stellt sich nachträglich, was ist wichtig?

der Score wird vorgetragen
um den Score auszuführen wird der Score vorgelesen
der Score, ungleich einer Partitur, kann nicht gleichzeitig gelesen und aufgeführt werden
der Score wird vorgetragen
wie spricht man zu 40 Leuten?
Versammlung vor dem Walcheturm unter der grossen Platane
in einem Kreis stehen
geschlossene Augen
eine Predigerin, die keine sein will und die sich unverhofft in dieser Rolle findet
liest vor
ausgestellt sein

Besucher/Zuhörer
Versch. Besuchende (IGNMVorsitzender(?), Mitveranstalter IGNM, Kurator Walcheturm)
Zuschauen/Besuch/Public werden ignoriert
eigentlich gibt es kein «aussen», es wird nichts geprobt, es sind keine Proben, weil es auch keine Aufführung gibt.
Bzw. keine Aufführung für ein Publ.
es geht ums Machen
merkwürdig unangenehm der Besuch
wird ignoriert
ansonsten wurde alles bedacht: auch eine Ruhezone
Unbeteiligter EH sitzt auf einem Stuhl
Was-ist-los?
der Score wird ausgesprochen leise vorgelesen, suggestiv, zart, empathisch
demonstrativ fein?
Müssten Scores auswendig gelernt werden, damit sie umgesetzt werden können?

Was ist mit den Zeitangaben?
nirgends eine Uhr
1 Minute, 2 Minuten, nur approximativ oder nicht?

auch drinnen sind die Score-Stimmen leise und weich
einschläfernd

Score
…einen Gegenstand in der Nähe in die Hand nehmen
seine Textur, sein Gewicht – was jetzt?
Textur oder Gewicht?
auch vor dem Walcheturm:
sich verbinden mit Tieren, Gräsern, Himmel
mit allen was (nicht?) da ist
oder liebhaben oder nicht lieb
sich verbinden – unverbindlich.
Warum nicht mit den Würmern?
Was kreucht und fleucht unter den Füssen
Vor lauter Auswahl keine Bestimmung, keine Ausrichtung
offen lassen zu offen lassend
im Sternzeichen der Ambivalenz
des Niemanden-mit-einem- Vorschlag einschränken

Space oder Raum oder Möbelierung
Die Räume bequem eingerichtet
eine Ecke um zu chillen, um sich zurückzuziehen
diese Vorsicht kippt zu einem Anzeichen könnte etwas hereinbrechen
Unwohlsein, Überforderung, ein langer Tag
wohlbedacht vieles vorwegnehmen und damit aber auch anwesend machen

Schluss
…dass alle vorbehaltslos mitgemacht hätten
da wäre keine Zurückhaltung spürbar gewesen, wie sonst oft
dass jemand, oft, öfters einzelne…hier, nein
well, es sind viele Leute und die einzelne Zurückhaltung zurückhaltend..

Fachjargon
Kein Fachjargon: decrescendo, pitch, was ist ein pitch?, ein Sound, Ton, Intervall, Puls, Rhythmus, keine musikspezifischen Begriffe herbeiziehen, um eine Partitur zu erklären. S’wird zwangsläufig langfädig, weil alles muss umschrieben werden. «Ich spiele nicht Klavier» they sitzen und drücken die Tasten. Nicht nur spielt they nicht Klavier (und tut es doch), they hört auch nicht was they spielen, damit beschäftigt die Töne zu drücken.
Es soll vermieden werden, dass jemand eine Erklärung braucht: was ist ein decrescendo? Anstatt einzuladen, dass die Leute hörend verstehen, was gemeint ist.

Scoring
Scoring ist allen zugänglich, keine Vorkenntnisse
im Workshop nennen sich die Vortragenden/facilitator
das hingehend ein Begriff der meine Alarmglocken läuten lässt.
Wie auch immer.
Lesend sind die Scores schwellenlos zugänglich
in der Aufführung gibt es doch wieder Dirigat, Zeigen und Zeichen und einige wenige die sich richtig freuen draufzuhauen.

172 Log 240712
Andrea Saemann: Saemann meets Schneemann – a performance thanks to Carolee Schneemann
Ludwig Jäger: ‚Aura’ und ‚Widerhall’. Zwei Leben des ‚Originals’ Urheberrechtsfragen in der Performancekunst

Urheberrechtsfragen in der Performancekunst
– Andrea Saemann: “Saemann meets Schneemann”
, 2006

Mit einer Perf. hängen zs.

  • Handlung/Perf./Event
  • Fotos/Videos der Perf
  • Relikte der Perf
  • Notizen zur Perf

– wie wird Zitat in der Perf. / im Theater definiert?
– Def. re-enactment, Aktualisierung, re-doing, Wiederaufführung?
– wieviel Ähnlichkeit ist erlaubt, wann stellt sich die Urheberrechtsfrage?
– ist “Meeting Schneemann” (Andrea Saemann) bloss ein Verweis?
– oder gibt es ein genuines Interesse die Interior Scroll im Sinne einer Interpretation zu performen/aufzuführen?
– wie grenzt sich in der Musik Interpretation von Paraphrase ab, von etwas anklingen lassen…
– würden Perfs. den Status “interpretierbarer” Werks erhalten, was änderte sich?
– was beinhaltet «Status eines interpretierbaren Werks»?
– wenn sich Perf.-Kunstwerke wieder aufführen lassen, was bedeutet das für das Original?

«Jene reine Sprache, die in fremde gebannt ist, in der eigenen zu erlösen, die im Werk gefangene in der Umdichtung zu befreien, ist die Aufgabe des Übersetzers.“ (…) „Die wahre Übersetzung ist durchscheinend, sie verdeckt nicht das Original, steht ihm nicht im Licht. Sondern läßt die reine Sprache, wie verstärkt durch ihr eigenes Medium, nur um so voller aufs Original fallen».
Walter Benjamin: Die Aufgabe des Übersetzers, 1923
Walter Benjamin: Die Aufgabe des Übersetzers, 1923.pdf
– Das Original wird durch die Übersetzung «befreit»
– Die im Original gebannte «reine, eigentliche, ursprüngliche» Idee/Licht trifft zurück, verstärkt das Original
– gilt das auch f. «Interpretation», «re-enactment»?

Ludwig Jäger: ‚Aura’ und ‚Widerhall’. Zwei Leben des ‚Originals’ – Anmerkungen zu Benjamins Konzeptionen des Originalen
Abstract: Der Beitrag diskutiert zwei Aufsätze Walter Benjamins, die mit Blick auf die jüngere Original-Kopie-Debatte von großer Bedeutung sind. Benjamin hat in seinem ‚Übersetzer’-Aufsatz von 1923 und in seinem ‚Kunstwerk’-Aufsatz von 1939 zwei Begriffe eingeführt, die von hoher transkriptionstheoretischer Relevanz sind und die dort beide jeweils im Zentrum der Argumentation stehen: ‚Aura’ und ‚Widerhall’. Unter je spezifischer Perspektive fokussiert Benjamin anhand dieser Begriffe ein grundlegendes kunst- und medientheoretisches Problem – das Problem des Verhältnisses von ‚Original’ und ‚Fortleben’ des Originals, wobei ,Fortleben’ einmal als Übersetzung und zum anderen als technische Reproduktion verhandelt wird. Transkriptionstheoretische Überlegungen im Ausgang von diesen in Benjamins Werk zentralen theoretischen Begriffen erlauben es, das Verhältnis von ,Original’ und ,Kopie’ neu in den Blick zu nehmen. (zit.n. Jäger: Abstract, Link siehe oben)

Keywords: Original, Kopie, Widerhall, Walter Benjamin, Aura, Kunstwerk, Reproduktion, Übersetzung, Übersetzbarkeit, Fortschreibung, Transkription, Nachträglichkeit, Vorgängigkeit.

 

Musik
SUISA,  Tantiemen, Musik am Radio ≠ Aufführung eines Stücks
Für die Pressung einer CD muss zwingend eine Anmeldung bei der SUISA vorliegen

168 Log 240524 Heroines of Sound – Herstories

Sanio, Sabine, und Bettina Wackernagel (Hrsg). „Einleitung“, in: Heroines of sound : Feminismus und Gender in elektronischer Musik. Hofheim am Taunus: Wolke Verlag, 2019, S.16–29.

I am a Feminist, wird zwar zum verkaufstauglichen T-Shirt, but that’s all. 1971 begründet Lina Nochlin mit ihrem Essay Why have there been no great women artists? die feministische Kunstwissenschaft(en, Mehrz.!). In den Musikwissenschaften kommen solche Fragestellungen erst 40 Jahre später auf, erst recht was die Elektronische Musik betrifft. Die elektronischen Klänge als «geschlechtslose Sounds» seien Theorie geblieben, so Sanio und Wackernagel. Hinter den Maschinen wirken die gleichen Machtverhältnisse wie sonstwo im Konzertbetrieb.

mit Beiträge zu
Bebe Barron / Alice Shields
Else Marie Pade
Daphne Oram
Delia Derbyshire/Maddalene Fagandini
Suzanne Ciani → Plop für Coca-Cola (S17)
Laurie Spiegel → Star Wars, Atari, Lego (Sounddesign)
Laurie Spiegel → Music Mouse, an intelligent Music Instrument für Atari7

GRM (Nachtrag (S.21)
Monique Rollin
Christine Groult → christinegroult@free.fr
Beatriz Ferreyra
Clara Mïda
Louïse Bulot
Polen: Musica Electronica Nova / Wroclaw
Elzabieta Sikora lebt in Paris
Jagoda Szmytka

2016 Festivalschwerpunkt zu Stimmen in der Elektronischen Musik
mit Cathy Berberian, Anna Clementi, Ute Wassermann, Dorit Chrysler

Stichwort: Embodiment in der elektronischen Musik

 

166 Log 240430 Perf [ort] 

nach Elke Erb
Elke Erb: Es setzt auf mich, 16.10.04, in: Das ist hier der Fall, Suhrkamp.
performance score
Donnerstag 23.April, 19h
[ort] Raum für Performance, Emmenbrücke

Factsheet in Bearbeitung
191 Log 240912_241119 aus dem was sich so zuträgt I, nach Elke Erb
220 Log Perf. Wellrock Aus dem was sich so zuträgt III


Notizen verloren / verlegt
Intellektuell und Spiel (J)

nicht von nichts ausgehen
weiterfahren
Material aus der Apteca: Plastiktasche, Liegetöne (Megaphon, K7)
die Plastiktasche, Kommentar DR, ein externes, zusätzliches Lungenvolumen
is needed
ein Extra-Grosses Vol mitbringen
praktisch
und Liegetöne
gesungen gehabt haben gewollt hätte
auch!: Karaoke-Singen
nicht authentisch, geborgt
echt darin, auch das Gedicht, im Geliehenen
sogar wenn: auswendig
by heart
nicht bloss herbeizitiert
sondern einverleibt im Versäumen und versäumen und versäumen
mit Leib und Seele
versäumt
im Nebenher der Zentralstrasse entlang ins Rückentraining

das Gedicht
Schrift
extern, Buch, Worte
das sotto voce einer Allerweltsstimme
jede Stimme ist nicht die richtige, auch EEs nicht

Schrift = Zeilen, Umbrüche, Wortabstände
jede Zeile eine Zeile, jedes Wort ein einzelnes Wort
das Gedicht als Ganzes
überlesbar, überfliegbar, überschaubar
zurückblättern

passt zur Perf
kommentieren, ja
grosse Schriftzeichen auf grossen Bogen Papier, ja
Eselsbrücken aufgedeckt, sie sind kaum by heart, aberwitzig und cerebral
ein heiteres Verstecken
Etta James tiefblauer Schluss

heute wird das Video visioniert
Andrea kommt extra aus Basel
Warum ist die Videodok. ein Balast
(Palast)?
auch für T., sich zu hören, zu sehen?

Elke Erb: “Es setzt auf mich”
Dauer
Schreiben
1 Seite 11:30
2 Seite 12’
3 Seite 7’
= 30:30
still  3:40
laut 3:40

 

129 Log 230912 writing music
Sybille Krämer: Aspekte einer philosophischen Theorie der Schrift

Ringvorlesung
writing music – Zu einer Theorie der musikalischen Schrift
Interdisziplinäre Ringvorlesung am Institut für Musikwissenschaft und Interpretationsforschung, 20.10.2016 (1) 
Universität für Musik und darstellende Kunst
Wien 2016/17

 

Sybille Krämer
Zu einigen Aspekten einer philosophischen Theorie der Schrift

Einführung
Zum Schriftkonzept im Sinne der aufgeschriebenen mündliche Sprache
und zum Potential des Schriftkonzepts

Töne erklingen und verschwinden, wie der sprachliche Laut
Existenz, die im Verschwinden besteht
Aufzeichnung wird entscheidende Technik
ist Schrift sekundär?
sekundär = Defizit

  • Debatte Oralität – Literalität
  • Sprache ist ein System (Elemente und Regeln)
  • die Idee der Systematizität ist eine Projektion der Schrift
  • Schrift ist das verschwiegene Modell für Sprache
  • Skriptizismus
  • Ferdinand de Sausurre (1757–1913, Sprachwissenschaftler): die Bedeutung entsteht aus dem differenziellen Prinzip, vgl auch Gunnar Hindrichs (*1971, Philosoph, Basel): Philosophie der Musik

Grundbaustein der Musik ist der Klang. Klang ist nicht allein bestimmt als etwas Hörbares, sondern auch durch das Verhältnis eines Klanges im System der Klänge, die erklingen, also auch bestimmt durch das, was nicht erklingt
= Systemgedanke, die Basis ist nicht die erklingende Musik, sondern die aufgeschriebene Musik

Frage: welche Bedeutung hat die Tatsache, dass die Musik aufgeschrieben / aufgezeichnet wird? Ist die Schrift etwas Bestimmendes und imprägniert sie die Musik? Braucht die Musikwissenschaft eine Oralitätsdebatte?

Was macht Schrift?

  • Zeit: Sukzession, Gegenwartspunkt an Gegenwartspunkt
  • Zeit wird durch Schrift verräumlicht: das Nacheinander der Zeit wird ein Nebeneinander der Buchstaben, räumliche Linearität
  • Schrift = Anordnungsverfahren, niemals nur Linearität, sondern auch Fläche benutzt = zweidimensional
  • Diskretes Zeichen zerschneidet das Kontinuum, Leerstellen, Lücken, Zweidimensionalität
  • Zwei Zeichen können niemals ineinander übergehen
  • Leerstellen ist ein räumliches Phänomen

Worin liegt die Attraktivität der Schrift, der artifiziellen Flächigkeit?

  • Sonderraum eines zweidimensionalen Raumes, indem alles kontrollierbar wird
  • = Überblick, Vogelflugperspektive
  • In der Partitur nimmt die Musik einen operativen, überblickbaren Raum, es ist zu sehen, was gewesen ist und was kommen wird…
  • Überklang des Klangraums der leiblichen Dreidimensionalität in den Schauraum der artifiziellen Zweidimensionalität, diese Transformation bringt ein neues Potential
  • Schrift ist kreativ, weil man sie auf dem Papier herumschieben kann, umstellen, kopieren, zusammenfassen – abgesehen davon sind Zahlen erst durch die Schrift/Zeichen sichtbar
  • = das Potential der Schrift

Das was Schrift ist und leisten kann in 4 Geschichtspunkte geordnet

– Räumlichkeit
– das Graphische (Graphismus)
– das operative Potential
– Affinität von Schrift und Maschine (Komputer)

Schrift ist vergl. wichtig wie die Erfindung des Rads
wie das Rad für Mobilität der Körperlichkeit steht, so die Schrift/artifizielle Flächigkeit für Mobilität und Kreativität

Räumlichkeit der Schrift

These: die Zweidimensionalität als Denkwerkzeug (Kulturtechnik der Verflachung) ist entscheidend. Aber Oberflächlichkeit wird diskreditiert(?) (Tiefgang ist wichtig). Dabei haben wir den inskribierten Flächen so viel zu verdanken (heute Smartphone!)

  • Wissenschaft und Kunst entstehen aus dem artifiziellen Umgang mit Schattenrissen

– Töpfertochter Butades bannt die Gestalt ihres Liebhabers durch den Schattenriss an die Wand.
– Zeitmessung der Sonnenuhr durch Schattenwurf
– das Höhlengleichnis, für Platon ist der Schatten defizitär
= Schatten verwandeln das Volumen in eine Fläche
Gibt es etwas wie Schatten in der Welt des Auditiven?

Graphismus der Schrift

  • Sprache mache den Menschen aus. Kein Wesen im Tierreich hat der Sprache vergleichbares grammatikalisches, semantisch, syntaktisches Verständigungssystem wie der Mensch
    Es gibt die Signalsprachen des Vokalischen.
  • Es gibt nichts dem Bildermachen/Krizeln/Markieren/Oberflächen analoges
  • Einritzen, auftragen als Disposition ist genauso wichtig wie unsere Sprachlichkeit
  • wir sind zweisprachige Wesen
  • Punkt, Linie, Fläche wirken zusammen als Graphismus
  • Linie hat eine Doppelnatur: 1. Geste der Hand wird abgebildet, sie gibt die Geste in der Zeit als Konfiguration im Raum wieder, sie übersetzt 2. steht die Linie für den freien Entwurf, das den Wahrnehmungskonventionen widerstreitet, solche Objekte kann man nicht herstellen, das gibt’s nur zweidimensional.

Linie = Potential der Abbildung + Potential der freien Kreation / Projizieren von etwas das besteht + den Entwurf, der noch in keiner Weise ein Vorbild hat in der Welt (und ev. nie haben wird)

  • Zu Descartes erster (musik)theoretischen Schrift (compendium musicae, dt Übersetzung erst 1978) eine Art Musikdiagrammatik (Quintenzirkel, unzählige musikalische Diagramme) die ästhetischen Eigenschaften des akustischen Erklingens von Musik werden mit visuellen Eigenschaften erklärt (Intervall Ästhetik: die Proportionalität der konsonanten und dissonanten Tonverhältnissen werden in Linienkonfigurationen überführt, konsonant ^= ganzzahlige Verhältnisse
  • Graphismus ist der gemeinsame Ursprung von Zeichnung und Schrift, zb Kritzeln, ist genauso grundlegend wie Sprechen, ev. wie Musizieren?
  • Beachte: Sprache kann man negieren, das Nein, es gibt kein Äquivalent im Graphismus


Operatives Potential der Schrift
Wenn die Schriftanordung räumlich ist, dann ist eine Zeitachsen Umkehr möglich. Der Mediendenker Kittler hat seinen Medienbegriff an diese Gegenheit gebunden. Für Kittler ist der Körper kein Medium. Der Körper ist der Irreversibilität der Zeit mehr oder weniger unentrinnbar unterworfen.

Auf den artifiziellen Flächen haben wir einen Sonderraum entworfen mit der Option die Irreversibilität der Zeit zu bannen.

Über den Spielbegriff nachdenken: Musik ist ein Spiel, Sprache ist ein Sprachspiel. Über Musik nicht in den Kategorien der Sprache nachdenken, das geht für SK nicht, aber Spiel, ja! Spiel heisst etwas lässt sich hin und her bewegen: Lichtspiel auf dem Wasser, die Schraube hat Spiel. Ohne Ziel. Spielräume. Kein zweckorientiertes Produkt. Die artifizielle Fläche lädt ein zum Spiel, Umkehrbarkeit praktizieren und erfahren.


Das Mechanische der Schrift / Affinität von Schrift und Maschine
Alles was diskretisierbar ist, kann auf eine Maschine übertragen werden.

Als erste Programmiererin gilt Ada Lovelace (1815–1852, Mathematikerin, London) (Berechnung der Bernoulli Zahlen). Sie arbeitete mit Charles Babbage an einer universalen Rechenmaschine. Tiefe Verwandtschaft der Schrift mit dem Tabellarischen und dem Diagrammatischen. Schrift ist mehr als eine lineare Aufzeichnungstechnik, sie ist mit der Zweidimensionalität im Bunde. Tiefe Affinität zwischen Schriftlichen und dem Mechanischen


Schluss
Derridas Grammatologie als Dia(?)-Grammatologie weiterentwickeln/entfalten um das Potential der Schrift aufzudecken.
Vieldimensionales Schriftkonzept, in dem die Schrifttechniken in ein grösseres Ganzes einer Kulturtechnik der Verflachung einordnen, dazu gehören auch Grafen und Diagramme, Karten, Tabellen, dazu gehören auch musikalische Schriften.
Schrift bezieht sich auf verschiedenen Referenzobjekte (Sprache, Zahlen, musikalische Zeichen)

Grafische Notation der NM
Die Schrift des Musikalischen
Wie klangliche Innovation und Medieninnovation zusammengehen
Den Alphabetismus der musikalischen Schrift kritisieren:

  • Earl Brown (Kritik der traditionellen Notation), Vorbild sind die Künste, Brown bezieht sich auf Calder, Jackson Pollock, etc.
  • Joseph Schillinger (Klanggeschehen naturwissenschaftl. verzeichnen, Physik, Koordinatenkreuz, bezieht sich auf Descartes)

Descartes und das Koordinatenkreuz macht das Blatt zu einem adressierbaren Raum, Descartes erfindet die analytische Geometrie, Koordinatenkreuz, vorher seine Musikdiagrammatik, geometrische Formen für das Klanggeschehen)
Die Schrift hat die Eigenschaft das Werk hervorzurufen. Urheberschaft an einem Werk, das nicht verschwindet, das tradierbar wird. Der Werkbegriff ist auf engste Weise verwoben mit der Schrift. Mit der Möglichkeit Musik zu schreiben entsteht der Autorenschaft. Zu archaischen Zeiten hatte Musik hatte keinen Autoren. Literatur entsteht mit Autoren, so auch in der Musik. Für Earl Brown werden die Interpreten zu Mitautoren, es gibt nicht zwei identische (gleichklingende) Aufführungen. Brown Subversion des traditionellen musikalischen Notationssystem ist auch eine Subversion der traditionellen musikalischen Autorschaft.

Mit der Karte navigieren in der Stadt. Die Karte wird aufgeführt, wieder umgesetzt in die 3dim? Ist das vergleichbar der Interpretation der Musiknotation in der Aufführung, eine Umsetzung in die 3.dim.
Zeit ist eindimensional, Lebensraum ist 3dim, die Zweidimensionalität ist eine Übersetzung, ist angesiedelt im Dazwischen, das eine in das andere transformieren, sie ist eine Passage, eine die alles verändert. Das Notenblatt verändert alles, auch unser Hören?Die Zeitumkehr kann gedacht werden, aber aufgeführt?
Es geht um Schriftkonfigurationen.
Rechnen konnten früher nur die Mathematiker, mit dem Dezimalsystem wurde rechnen es allen zugänglich zu einer Alltagstechnik. Es geht um Kontrolle und Kreativität, Überschuss und Disziplin
Intransitiver Spielbegriff: etwas spielt: ein Lächeln auf den Lippen, das Spiel der Lichter auf dem Wasser zum intransitiven Musikbegriff: die Saite bewegt sich, Spiel = das Hin und Her einer Bewegung, die Saite schwingt = Quelle des Schalls/Musik
Im Hin und Her der Schwingung schwingt die Vorstellung der reversiblen Bewegung mit: das Vor und Zurück, als könnte die Zeitachse umgedreht werden.